Las tres, la hora más oscura

2012-02-05T20:14:00.000-08:00

Fui lo que fui: una mezcla

De vinagre y aceite de comer

¡Un embutido de ángel y bestia!

*Nicanor Parra, Epitafio.

Camila Moreno

2011-12-31T15:07:00.000-08:00

Camila Moreno - De la Tierra.

Para terminar el año y empezar con conciencia social/natural/ambiental/ecológica

Una canción de Camila Moreno una artista que conozco hace algún tiempo, pero no le había tomado el peso que se merecía..................... y que realmente me encanta porque canta con las entrañas!!!!! Si no me creen escuchen este tema..........

*-*

_____________________________________

Coldplay - Paradise

2011-12-02T07:17:00.000-08:00

Una canción que me emocionó un montón cuando la escuché sin saber bien que decía, ahora que leí la letra me emocionó mucho más y, sin duda, acompañada de este bellísimo video con una historia que tiene muchas interpretaciones.

Enjoy it!

When she was just a girl
She expected the world
But it flew away from her reach
So she ran away in her sleep
And dreamed of para-para-paradise
Para-para-paradise
Para-para-paradise
Every time she closed her eyes

When she was just a girl
She expected the world
But it flew away from het reach
And the bullets catch in her teeth

Life goes on, gets so heavy
The wheel breaks the butterfly
Every tear a waterfall
In the night, the stormy night
She'd close her eyes
In the night, the stormy night
Away she'd fly

And dreams of para-para-paradise
Para-para-paradise
Para-para-paradise
Oh oh oh (x2)

La la la la

So lying underneath the stormy skies
She'd say, oh oh oh
'I know the sun will set to rise'

This could be para-para-paradise
Para- para- paradise
Could be para-para-paradise

***

Just a dream

2011-11-13T12:04:00.000-08:00

Soñé que estaba nadando bajo el agua en una piscina enorme y me podía mantener debajo del agua por mucho tiempo. Recorría de un lado al otro la piscina y podía observar las personas que estaban nadando en la superficie. Me mantuve mucho tiempo debajo del agua sin pensar en que podía quedarme sin aire, era un especie de ser submarino o por lo menos eso pensé. Luego salí del agua y alguien del pasado me pidió que lo dejara, que lo soltara para poder seguir su vida, que no podría hacerlo si yo aún me mantenía cerca. Después de eso, dentro del sueño, soñé que dormía en una cama junto con otra persona y la abrazaba, luego despertaba del sueño (en el sueño) y esta persona ya no estaba, en realidad no sabía quién era, nunca supe quién fue pero me angustie al no verla acostada a mi lado y grité, y en ese momento apareció otra persona diciéndome que debía aceptar la muerte de esta persona con la que dormía en el sueño (dentro del sueño), y yo pensaba que era terrible no acostumbrarse a que ya no estuviera, a pesar de que ni siquiera recuerdo quién fue…así de cuáticos son los sueños.

*Ilustración del Neo- Surrealista George Grie

La casa de los grillos.

2011-10-28T19:24:00.000-07:00

Mi casa está llena de grillos,

Realmente los hay por todos lados,

En el baño,

En la cocina,

En el comedor,

Debajo de la mesa,

Encima de los sillones,

Sobre el lavaplatos,

Es prácticamente una plaga!

Pero no los puedo corretear…

Porque según cuenta la leyenda da mala suerte,

Eso dicen.

Lo mejor es que en la noche

Cuando me voy a acostar

Me cantan canciones de cuna para quedarme dormida.

Pucha que me rio con Alberto Montt...!!!

2011-10-16T15:20:00.000-07:00

Hace tiempo un amigo me dijo que revisara el blog www.dosisdiaras.com y quedé más que encantada, de eso más de un año ya, que sigo fielmente las viñetas que sube casi todos los días... o a veces dejo pasar algunos días para mirar varias de ellas... En uan feria del libro en Estación central me compré en Dosis Diarias 1 y me lo leí en lo que me subí a la micro para irme a la casa y no podía parar de reír, Montt es realmente ingenioso y sus trabajo como ilustrador es inspirador.

Hoy Alberto Montt y otro ilustrador Francisco Olea estuvieron en Una Belleza Nueva y me desperté temprano para verlos, fue una excelente conversación muy agradable y entretenida, para los que no la vieron pueden buscar en la página de TVN o la del programa directamente www.unabellezanueva.org

Chao pescao' ;)

¿Por qué leo?

2011-10-09T15:51:00.000-07:00

Estaba metida mirando unos blog de gente que lee mucho y que publica sus críticas y comentarios con respecto a los libros que está leyendo y me hice esta sencilla pregunta y yo ¿porqué leo? Y me acordé de una entrevista que le hicieron a Ramón Llao en un canal del cable, donde le preguntaban sobre la lectura y qué cosas lee, y el respondió que respeta a la gente que lee y que hace sus criticas de libros pero él es más light aún y no le da tanta importancia a hacerse el intelectual diciendo "Yo leo a Dostoiesvski y a Tolstoi y blablabla". Igual me dio risa, porque hay mucha gente que cree que leyendo es superior o poco más se obliga a leer porque se codea con cierta gente que le da status a la lectura y que en sus conversaciones las últimas adquisiciones intelectuales son importantísimas. Yo leo porque me entretiene, a veces leo cosas light otras veces cosas que dejan un largo rato pensando y marcando ocupado, a veces me gusta leer historias con monitos, otras tipo viñetas con chistes sólo para reir o para quedar meditando. Aunque debo decir que no tengo un género favorito, la novela negra me atrae bastante, pero tanto como el relato de ciencia ficción...

Además de que la gente lee cosas intelectualoides, parece que va de la mano escribir, osea que alguien que lea mucho y no escribe alguna cosilla loca tampoco es lo suficientemente intelectual... y ahí me pillé denuevo porque a veces también me da por escribir algún relato corto.

Es extraño, yo creo que finalmente la lectura alimenta diferentes cosas dependiendo de la persona que se acerca a ella... yo aún no descubro que es lo que tanto me atrae de leer y hace que saque uno tras otro libro... aunque una vez una buena amiga me dijo que le parecía que me gustaban más los libros que la lectura, quizá soy una maniaca de los libros usados y realmente lo que me gusta de los libros es pensar quién los leyó y que cosas pensaron cuando los leyeron.

Y tú, porqué lees??

-

Natsumi Hayashi

2011-09-25T07:36:00.000-07:00

Cada cierto tiempo me meto a la página de esta artista japonesa, lo que más me gusta de su trabajo es que sus fotografías son adictivas, las puedo ver una y otra vez y no me aburro de contemplarlas... Lo particular de las fotos es el efecto de levitación que logra, es como si estuviera mostrándonos un sueño en la ciudad y a ella recorriéndo los lugares comunes de Tokyo, el tren, las calles aledañas a su casa, su propia casa limpiándola, el parque, etc...

Visite: http://yowayowacamera.com/

Incógnita

2011-09-13T21:13:00.000-07:00

Es fácil encontrarla saliendo de una función de algún cine arte o tal vez en la sala de la biblioteca de la ciudad, de preferencia en los estantes de literatura erótica. Si es que no está allí, de seguro en algún parque aledaño a la biblioteca leyendo o, lo más probable, releyendo alguna de sus novelas favoritas, fascinada nuevamente, como si fuera toda una experiencia nueva. Tal vez la encuentres caminando por ahí, mirando nada y con los audífonos incrustados en las orejas, escuchando a la Emilie Simone a punto de ponerse a cantar con Fleur de saison. Tiene algunos amigos, tiene hartos en facebook, pero la verdad es que nunca los ve realmente y sólo se mandan mensajitos eternos de cuándo será la próxima junta… es más bien solitaria, pero ella no se da cuenta porque se siente cómoda siendo así. A veces sale a carretear por algún bar de Santiago, a veces va al Club Miel y conoce a algún/a niño/a simpático/a e intercambian números de teléfono, a veces queda en nada y a veces algo resulta.

No tiene pareja así que no le rinde cuentas a nadie, en su casa pasa poco tiempo porque no le gusta mucho estar ahí. Yo siempre la veo, se me aparece de diferentes formas, algunas veces hasta llego a pensar que me persigue o que estamos destinadas a conocernos, pero me niego a la posibilidad de entablar una conversación, la veo en la biblioteca, en el cine, en la calle, y es que parece que nos gustan cosas similares y hasta yo diría que personas similares; cuando se cruza, la miro de lejos y cuando se va acercando hago como que no existe. Ella hace como lo mismo, pero ambas sabemos que no nos somos indiferentes, tenemos mucho en común pero no quiero ser su amiga, creo que hasta nos llevaríamos bien, pero prefiero imaginarme la situación, aunque me angustia cuando pasa un tiempo y no tengo signos de ella, es tan cuatica que puede hacer cualquier cosa y desaparecer… si la ven no le digan que les conversé de ella porque no debe saber que me interesa en lo más mínimo.

La hora más oscura

2011-09-07T07:07:00.000-07:00

Pienso que será triste cuando ya no nos queramos más,

(Es triste cuando la gente deja de quererse, me pregunto ¿dónde se va todo ese amor?)

Cuando ya no exista un nosotros

Pero ahora pienso que va a ser triste

Porque hoy sí te quiero

Aunque cuando suceda no creo que me dé pena la verdad

Porque ya no habrán sentimientos involucrados

Y sólo serán buenos recuerdos

Y sólo lo veré como un largo momento de mi vida que ya no existe

Pero a las tres de la madrugada, la hora más oscura, de seguro que mientras duermo

Diré tu nombre, pero no lo sabré porque estaré durmiendo…

Y tú no lo sabrás porque ya no estarás durmiendo a mi lado.

*Ilustración de Nicoletta Ceccoli

Liam Finn

2011-09-04T13:51:00.000-07:00

La verdad es que no sé mucho de este grupo, o enrealidad es un dúo, o no sé... la cosa es que Liam Mullane Finn es australiano jovencito que toca música indie. La canción Better to be y otras más que no recuerdo las escuché en el Concert Channel hace unos días atrás y quedé super pegada con este tema... Better to be.

Better to be
Bigger than the other
Heart on your sleeve
And hat on your head
I want to see you
Playing with your shadow
Hypnotise me
With every step

Oh, oh, oh

Falling asleep
Or sitting
At the doctor
I don't believe
A thing that he says
Ordinary people
Like I told you
Are following me
Everywhere

Bottle it up (4x)

Girl
You seemed so nice
But I'll be gone
By morning time
Baby, baby
I’ll be gone
You fooled me
Once or twice
The boy inside
Can't unwind
Maybe
Maybe
I'll go home

Better to be
Looking for an answer
Out in the sea
And under your bed
I'll probably
Just leave
It to the morning
My energy
Is already spent

Bottle it up (8x)

Girl
You seemed so nice
But Ill be gone
By morning time
Baby, baby
I’ll be gone
Fooled me
Once or twice
The boy inside
Can't unwind
Maybe, maybe
I'll go home
Spoiling appetite
Bigger eyes
Than belly size
Baby, baby
I'll be gone
You fooled me
Once or twice
The boy inside
Can't unwind
Maybe, maybe
I'll go home

*

2011-08-25T15:01:00.000-07:00

Estaba sentada en el bagón del metro
leyendo After Dark de Haruki Murakami
y me di cuenta que el viaje se hace mucho más corto
incluso, sentí ganas de seguir en la línea cinco hasta Vicente Valdés
para alcanzar a leer el capítulo completo...
pero me tuve que bajar del bagón y volver a andar entre los zombies de Santiago.

*

El Ilusionista

2011-08-22T13:10:00.001-07:00

Una pelicula hermosa... nunca perdamos la magia!!

:)

Educación gratuita!

2011-08-10T07:56:00.000-07:00

Ahh? Porque??

Noche fría

2011-07-25T12:05:00.000-07:00

El frío hiela rápidamente las manos cuando éstas están descubiertas en la madrugada de un sábado invernal. Descubierta porque no ha podido pegar ni una pestaña pensando en una idea que tiene para escribir. Nunca publica nada, ni tampoco hace que alguien las lea, pero le gusta escribir esas ideas que tiene en la cabeza, de lo contrario no puede dormir. Muchas veces se acompaña de un vaso con algún licor fuerte que le ayude a relajarse, otras veces escucha un poco de música, la mayoría del tiempo prefiere canciones en otro idioma, de preferencia una lengua casi incomprensible. Piensa que algún día alguien encontrará todas sus notas, poemas y escritos, todo esto post-mortem, los llevará a una editorial y sus hijos gozarán de una fortuna considerable gracias a su talento literario oculto.

La idea de hoy trata sobre una mujer que siente una gran insatisfacción en su vida, lo tiene todo, un hogar, buen trabajo, hijos y un esposo que si bien ya no le atrae sexualmente, se esfuerza por complacerle en todo lo que pueda. Un día, esta mujer asidua a las bibliotecas públicas, decide entrar en la sala para mayores de diez ocho años, hace tiempo sentía la inquietud de entrar a aquella sala, pero el pudor y la psicosis de que algún conocido pueda verla y pensar mal de ella frenaban sus deseos de hacerlo. Pero aquel glorioso día decidió hacerlo, entro como si fuera una acción cotidiana, casi diaria. Se paseó entre los estantes, dispuestos en orden alfabético según el apellido del autor. No conocía a ningún autor de los que aparecían en los estantes; ni siquiera la reconocida colección “La sonrisa vertical” de literatura erótica, aún así se acercó a mirar los títulos, y aunque muchos de ellos le llamaron la atención (como El Burdel de Josep-Lluis Seguí), pensó que sería demasiado obvio llegar con un ejemplar a su casa, con ese título y siendo parte de esta colección que no le ayudarían a esconder la temática del libro. Siguió caminando, miraba de reojo al resto de las personas, esperando no encontrarse con nadie conocido. Llegó a un libro que le causó curiosidad por su escueto título, Carol, leyó la información de la autora Patricia Highsmith, le pareció interesante, no recordaba que era la misma escritora de Extraños en un tren, película dirigida por Alfred Hitchcock, que había visto hace un par de años y que le había gustado muchísimo. Lo tomó y cruzó rápidamente la puerta de la sala en dirección a la sección de préstamos… Llegó a su casa y se dio cuenta que ya todos estaban durmiendo, ella aprovechó ese instancia para sumergirse en su secreta lectura, no demoró más de un par de días para acabar con el libro, sintió un poco de envidia de las protagonistas del libro, el nivel de libertad y decisión ante sus deseos. Ella sería incapaz de abandonar a su familia, aunque hasta ese momento no había reconocido que siempre ha sentido la inquietud de conocer a una mujer en otro plano.

Pasaron un par de días y debía llevar el libro a la biblioteca nuevamente, volvió a subir a la sala para mayores de diez ocho años y a recorrer los estantes. Tomaba un libro con un título idealmente discreto y volvía a su casa, pasaban un par de días y repetía la acción. Un día, en su vulgar rutina, se dispuso a tomar un libro cuando una voz se dirige a ella y le dice: ¿con que te gusta la literatura LGBT? (En realidad ella no tenía ni la menor idea de que significaba y tampoco sabía que el libro que estaba tomando se trataba precisamente de este tipo de género), ella casi no quiso mirar, y al hacerlo se dio cuenta que una compañera de su trabajo estaba ahí… La miró y no dijo nada más que un Hola, no tenía mucha relación con su compañera, en la oficina cada uno estaba en sus asuntos y no había mucho tiempo de conversar, cuando había algo de tiempo libre ella prefería leer alguna revista o tomarse un café, pero este encuentro era difícil de ignorar. Conversaron un rato y luego su compañera la invitó a tomarse un café en un lugar cercano que conoce. Hablan de todo un poco y luego llegan al tema de la literatura gay, ella no sabe mucho que decir, pero su compañera de oficina parece ser una experta, le recomienda algunos títulos que se encuentran en la biblioteca y otros que no lo están, pero amablemente se ofrece a prestárselos, de hecho podrían ir a buscarlos en ese mismo instante y seguir la entretenida conversación en su departamento. Ella dudosa prefiere dejarlo para otra ocasión aunque agradece la invitación.

Al día siguiente en la oficina su compañera de lejos le hace una seña, ella incomoda la responde, a la hora de comer se encuentran y su compañera la invita a comer, ella accede y continúan con la conversación sobre la literatura LGBT, pero incluyendo también el cine. Su compañera le dice que tiene una colección bastante completa de películas de esa índole, que casi no llegan a carteleras y son muchas veces escasas para conseguirlas, la invita a ver un par de películas después del trabajo, ella se da cuenta que lógicamente su compañera es lesbiana y que obviamente la invitación podría tomar otros caminos. Lo piensa, piensa en sus hijos, en su esposo, en la casa… y finalmente accede.

Se juntaban un par de horas tras el trabajo, ella no quería dejar a su familia ni que sus hijos tuvieran noticia de su vida oculta y de sus nuevas preferencias sexuales, pero sin duda, era una de las mejores decisiones que había tomado en su vida.

Pone el punto final, se queda releyéndolo y queda algo satisfecha. Realmente nunca queda del todo satisfecha cuando termina de escribir, pareciera que falta algo, que algo se pierde en el transcurso de lo que piensa y lo que tipea. Apaga el equipo y se va a dormir, ¡por fin!-dice- al fin conciliará el sueño sin pensar en esta última fantasía que acaba de escribir.

2011-07-22T19:41:00.000-07:00

'

Cuando se acercó a la orilla

Se dió cuenta

que aún no era tiempo

de lanzarse al vacío...

Museo Virtual

2011-06-07T06:42:00.000-07:00

Esto va para todos aquellos que no tienen dinero (incluyome) para ir a visitar las maravillosas obras de arte del mundo... lo más impresionante es la calidad de las imágenes donde se pueden observar hasta los más mínimos detalles, coimo por ejemplo la fastuosa pasta de Vincent van Gogh en los trazos de The Starry Night.

Visite: www.googleartproject.com

Gonzalo Rojas (1917-2011)

2011-04-26T16:17:00.000-07:00

Requiem de la mariposa

Sucio fue el día de la mariposa muerta.
Acerquémonos
a besar la hermosura reventada y sagrada de su pétalos
que iban volando libres, y esto es decirlo todo, cuando
sopló la Arruga, y nada
sino ese precipicio que de golpe,
y únicamente nada.

Guárdela el pavimento salobre si la puede
guardar, entre el aceite y el aullido
de la rueda mortal.
O esto es un juego
que se parece a otro cuando nos echan tierra.
Porque también la Arruga...

O no la guarde nadie. O no nos guarde
larva, y salgamos dónde por último del miedo:
a ver qué pasa, hermosa.
Tú que aún duermes ahí
en el lujo de tanta belleza, dinos cómo
o, por lo menos, cuándo.

Vanessa Beecroft

2011-04-13T08:48:00.000-07:00

Desde hace algún tiempo atrás me he hecho media fanática del Films & Arts, a veces lo encuentro algo snob andar viendo este tipo de canales tan cultos, pero sin duda que muestran cosas interesantes, sobre todo con respecto a las artes visuales del tipo contemporáneo. Así fue como me encontré, en un programa llamado Art in progress, donde registran a un artista y a su obra, a una Italina fascinante: Vanessa Beecroft. Esta artista trabaja la performance principalmente, vinculándolo además con el video, la fotografía y su tópico principal es la mujer y su cuerpo. Con su trabajo performático logra una especia de ambientación sugerente de lo que es la femeneidad contrastámdolo con los estereotipos femeninos. Para cada performance Beecroft se concentra en un tipo de mujer, reune a varias mujeres con estas características y las dispone en el espacio, utilizando sus cuerpos sin que ellas puedan hablar o dar su opinión al respecto. El resultado es una obra fascinante, que a pesar de ser captada por una fotografía, el trabajo total desde la preparación de las mujeres hasta su exhibición ante el público no logra abarcar la experiencia completa.

http://www.vanessabeecroft.com/

Una mirada del cuerpo en los hombres que no amaban a las mujeres

2011-01-19T18:03:00.001-08:00

El cuerpo como fenómeno.

Las concepciones con respecto al cuerpo han ido cambiando y han sido diversas entre las distintas disciplinas. La medicina y la biología observan un cuerpo ajeno, un objeto de estudio del cual se toma distancia, confiriéndole un grado distinto y más bien material, las creencias religiosas tienen a pensar el cuerpo de forma más bien metafísica, donde la materialidad del cuerpo pasan a un segundo plano, considerando el poder espiritual y suprasensible como mayor ante su realidad matérica y mundana. Podemos concebir nuestro cuerpo como un órgano sensorial que obedece a ciertos estímulos externos, pero también internos; cuando sentimos calor o frío, nuestro cuerpo responde a aquello, así también cuando nos sentimos acongojados, apenados, el cuerpo reacciona ante sentimientos que provienen desde nuestro interior. Nuestro cuerpo muestra signos de todo ello tanto de lo externo como de lo interno.

La tradición fenomenológica distingue al cuerpo en dos concepciones, una como una conformación matérica, la carne, el cuerpo como objeto de la ciencia, Körper en palabras de Maurice Merleau-Ponty, o el cuerpo propio (Lieb), el cuerpo fenoménico. La fenomenología se refiere al cuerpo como un vehículo de la intencionalidad[1], el cuerpo, es nuestro sitio, un lugar y medio de ser-en-el-mundo, cada extremidad de nuestro cuerpo es una posibilidad de relacionarnos con el mundo, el mundo por su parte, es un conjunto de cosas que me interpela, que interpela mi cuerpo constantemente. El mundo es aquello que percibimos y la percepción es nuestra relación primordial con el mundo, nos enfrentamos de forma experiencial.

Durante el transcurso de nuestro seminario, concebimos al sujeto semiótico como un fenómeno, por esta razón podemos concentrarnos en su estudio, en el estudio del cuerpo del sujeto semiótico por medio de ciertas instrumentos semiológicos. Nos referimos a los sujetos semióticos como actantes, éstos a su vez cumplen funciones dentro de la narración, los actantes pueden ser tanto destinador, destinatario, sujeto, objeto, coadyuvante u oponente. Estos seis elementos pueden estar dentro del plano actancial cumpliendo diferentes roles en una narración determinada. En el presente ensayo realizaré un análisis de un personaje en particular, Lisbeth Salander, de la película: Män som hatar kvinnor (Hombres que odian a las mujeres, literalmente, traducida y popularizada como Los hombres que no amaban a las mujeres). Este film sueco del año 2009 dirigido por Niels Arden Oplev forma parte de la primera adaptación cinematográfica de la trilogía literaria Milenium[2] del escritor Stieg Larsson. La primera parte de la trilogía trata de lo siguiente: Tras cuarenta años de la desaparición de la joven Harriet Vanger, durante la reunión anual en su isla privada, de la poderosa familia Vanger, su tío sigue con la esperanza de conocer la verdad de la extrañada desaparición de su querida sobrina. Sin dejar rastro alguno, Harriet desaparece, y su tío intuye que uno de los miembros de su familia fue el culpable. Para convertir su última voluntad en realidad contrata al polémico periodista Mikael Blomkvist para realizar la tarea de investigar este incluso caso. Anteriormente, Blomkvist ha sido investigado por el Sr. Vanger para asegurarse de que es una persona confiable, la manera en que investiga al periodista es por medio de una empresa especializada en descubrir los más recónditos lugares de las personas. Así entra en escena Lisbeth Salander, una problemática hacker informática, quién tras rastrear la vida de Blomkvist, decide ayudarlo en su investigación. La historia sigue, pero dentro de ella lo más interesante a mi parecer, es la manera en que los cuerpos son mostrados.

El cuerpo del actante.

Como sabemos, el actante está programado dentro de la narración, cuando parece estar libre y realizando lo que estime, en realidad está siendo parte de un plan mayor, organizado y sincronizado con una estructura determinada. En el esquema narrativo convencional, el actante supone un dominio de su cuerpo, aunque domesticado hacia su programación. El cuerpo del actante cumple con una doble composición: en mí y en sí, ambas caras de una misma moneda, tal como lo son el significante y el significado. El cuerpo, el en mí y en sí del actante narrativo nos sirven para su posterior análisis. El mí carne, de referencia en con lo que nos encontramos, lo externo aquello palpable; el sí del cuerpo propio está en constante devenir. La carne y el cuerpo son dos cosas diferentes, y a su vez, pertenecientes a lo mismo, indisociables, no podríamos analizar una sin tomar en cuenta la otra, si por un lado la carne modifica el cuerpo, por otro el cuerpo es necesario para poder ser modificable. El cuerpo del actante, a saber, carne y cuerpo propio, se dividen a su vez en mí (de la carne) y si-idem, sí-ipse como dos modos de construcción de identidad “en sí” (en cuanto a cuerpo propio). Con respecto a la primera división tiene que ver con el papel referencial de la carne, como centro y toma de posición del cuerpo del actante y como sede del núcleo sensorio-motor de la experiencia semiótica, también es aquello que se resiste a la acción transformadora de los Estados de las cosas. Por otro lado, el soporte de Sí es el portador de la identidad en construcción y en devenir. En este caso la identidad en sí obedece al sí-idem como una construcción por reiteración y sí-ipse como una construcción por mantención en la misma dirección.

En Los hombres que no amaban a las mujeres, los personajes parecen ser falibles y más cercanos a un actante humano. La dramatización de una acción humana, como sucede en la película, necesita de un cuerpo imperfecto y desobediente. El cuerpo humano no puede ser ajeno a sus emociones y pasiones, por ello es apenas programable. En los hombres que no amaban a las mujeres, su protagonista Lisbeth Salander sufre las inclemencias de la vida, y sus vivencias se ven reflejadas en su personalidad, y sobre todo en su cuerpo. Su tosquedad obedece a un pasado, el cual no queda del todo claro hasta ya finalizada la película, y que se desarrollará en la segundo parte de la saga Millenium: La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina. Uno de los factores que distinguen a esta película y, que desde su título podemos inferir, es la violencia contra el cuerpo femenino. Violencia que Salander vive constantemente (Por su administrador que le confiere el estado, Nils Bjurman, que se dedica a extorsionarla sexualmente para darle el dinero que le corresponde, en una escena en especifica le dan una paliza gratuita e injustificada un grupo de hombres que van en el metro). La violencia en la película está dirigida especialmente a las mujeres, pues como sabemos, el culpable de la desaparición de Harriet Vanger, fue su propio padre Gottfried Vanger, quién torturaba y asesinaba a mujeres, enseñando a su hijo Martín Vanger a hacerlo y educándolo como un psicópata. Harriet Vanger hija de Gottfried descubre esta afición de su padre por la tortura y aniquilación femenina y decide escapar. Lisbeth Salander podría considerarse como una representación de esta idea sobre el odio a la mujer y su cuerpo es un signo semiótico de este maltrato.

Lisbeth Salander, nuestro cuerpo actante a analizar, se encuentra, al principio de la película, en un tipo de acto inflexivo, es decir, asocia lo cognitivo con lo pragmático. En las primeras escenas observamos a una mjer inflexiva y pragmática (P), puesto que no demuestra mayormente sus emociones y se dedica a realizar satisfactoriamente su trabajo. Tras conocer a Mikael Blomkvist podríamos aventurarnos a designarla con un movimiento hacía lo Tímico-Pragmático (Tp), pero sin apresurarnos del todo, puesto que Salander, sigue siendo un misterio, ruda y reservada. A lo largo de la película ocurren ciertos acontecimientos del tipo amoroso con Blomkvist que acercan a Salander a un estado Tímico-Cognitivo (Tc) donde la protagonista demuestra algo de sus sentimientos hacia el personaje. Pero finalmente, nos deshacemos de la mirada fría y distante de Salander, cuando hacia el final de la película se dirige a una casa de reposo, donde se encuentra su madre, allí observamos a una Lisbeth Tímica (T).

El cuerpo (la carne, el núcleo sensorio-motriz) de Lisbeth Salander tiene mucho que decir, sin pronunciar ninguna palabra, su cuerpo andrógeno no nos permite, a primera vista distinguirla en su sexo, su corte de pelo y maquillaje nos aleja, repele, observándola como un ser antisocial y agresivo. Si pensamos a Lisbeth Salander como un actante programado, encajaría en principio, perfectamente, se dispone a resolver los casos que le piden y sigue con su vida sin mayor intromisión. La desprogramación de Lisbeth Salader aparece cuando decide enviar el correo a Mikael Blomkvist para resolver el misterio de unas cifras e iniciales que encuentran Mikael en un diario de Harriet, de no haberlo hecho, la vida de Salander, complicada como ya lo era, hubiese seguido su curso. En este caso tenemos una desprogramación del actante que se pueden considerar como una serie de actos fallidos y torpezas, Salander se desdibuja del programa original que debería haber seguido, decide ayudar a Blomkvist y se reprograma su historia. En este caso Salander va en búsqueda del objeto (conocer el misterio de la desaparición de Harriet Vanger) como coadyuvante del sujeto (Blomkvist), siendo su oponente Martín Vanger, por ser el asesino de las mujeres que encuntran Salander y Blomkvist.

Ella caería constantemente en una desprogramación y reprogramación, puesto que el cuerpo ante la presión de la programación apela a la inercia que asegura su individualización. En este caso, la inercia en el cuerpo de Salander sería la de un actante autónomo, puesto que la resistencia se genera desde el interior, es la presión de sí misma la que le hace ser diferente. El sujeto está programado, sin embargo, la carne desprograma al sujeto.

En Los hombres que no amaban a las mujeres, su carne se resiste a sus sentimientos, el mí de Salander afirma hacia el final de la película que no hay que enamorarse, diciéndoselo a su madre. En Salander hay una clara tensión con respecto al sí-idem y al sí-ipse, puesto que por el primero como repetición, asume un papel donde la protagonista no deja de ser ella misma, y donde el sí-ipse se demuestra como un esfuerzo por mantenerse en el sí, en su originalidad. En el desarrollo de la película observamos pequeñas pistas que nos dan a entender un pequeño relajamiento de Salander. Por ello, en un comienzo Salander se encuentra en el lugar del Esfuerzo y Contención, en la segunda área de la coherencia de la acción. Luego tras conocer a Blomkvist, Lisbeth no aparece con maquillaje y pareciera estar algo más relajada y menos a la defensiva, por esto, la situaríamos en la segunda área también, pero en el lugar del Relajamiento. Cuando finalmente se acerca a Blomkvist mientras duerme y se acuesta con él, va del centro hacia el Paso al acto, el Arrebato, pero tras esto, vuelve a un estado en la tercera área de la congruencia de la acción donde por el reiterar y el hacerse se queda en su originalidad e individualidad.

La envoltura (red polisensorial y superficial que pone en contacto el mí y el mundo) de Lisbeth Salander está tremendamente dañada, por lo mismo la esconde tras su maquillaje y ropas. Las cadenas, collar de puntas en su cuello y sus piercing nos hablan de una agresividad que fue construida como un método de defensa. Según Anzieu la envoltura corporal es la demarcación que se sitúa entre el mundo psíquico del ego y el mundo psíquico de los otros, la envoltura contiene y mantiene, es el soporte de mí carne. Además, la envoltura, es el filtro de intensidad y recorrido de intercambio, es decir, regula los estímulos externos. La envoltura separa los dos dominios de lo afuera y de lo adentro, haciendo específico el adentro en relación a la multiplicidad de afueras que se nos presentan. En Lisbeth Salander la envoltura de mí carne esta exacerbada y es claramente hermética, cuida de que no penetren en ella y ante cualquier intromisión dentro de su adentro, huye o reacciona bruscamente, pues es una envoltura dañada por el odio de los hombres.

En el gráfico de Mí-carne como intensidad y el sí-cuerpo propio como extensión, considerando las figuras actanciales de fuerza (percibida a través de su poder de transformación como presencia eficiente sin forma), forma (como un ícono estable, reconocible, con su envoltorio propio), actor (conjuga una fuerza de transformación y una forma identificable) y aura (percibida como una presencia sin identidad ni forma), Lisbeth Salander va del mínimo de intensidad y extensión al máximo de ambos, donde lleva el sentir al actuar, hay un aumento de la intensidad y a su vez, un desliegue de la extensión, dando como resultante una accionar agresivo y repentino en todo ámbito de su actuar.

En los esquemas de tensidad, en la primera parte de la película Salander se sitúa en el primer esquema descendente o de la decadencia, donde hay una disminución de la intensidad conjugada con el despliegue de la extensión, teniendo como resultado un reposo cognitivo. Tras conocer a Blomkvist está dentro del tercer esquema de un aumento de la intensidad conjugada con el despliegue de la extensión resultando una tensión afectiva cognitiva, pues hay sentimientos por parte de Salander pero no se entrega a la emoción. Y finalmente, con el encuentro de Salander con su madre, la joven baja la guardia y se encontraría en un segundo esquema ascendente donde aumenta la intensidad y reduce la extensión proporcionando una tensión del todo afectiva al encontrarse con madre, sentada en una silla de ruedas, mirando televisión pero sin verla realmente y estando ida, abstraída de la realidad, quedando en ese estado tras las múltiples golpizas de su marido, padre de Lisbeth.

Tras los diferentes dispositivos que hemos aplicado al cuerpo de Lisbeth podemos concluir que su cuerpo es el de un actante a la defensiva, envuelto en sí, cuya carne se resiste y cuyo cuerpo propio, entre el sí-idem y el sí-ipse es congruente a su individualidad. En una de las últimas escenas, cuando Martín Vanger es descubierto y Lisbeth lo persigue en su motocicleta, ella tiene la oportunidad de ayudarlo tras caer en su auto al costado de la carretera, sin embargo ella no lo hace y deja que se consuma en las llamas ocasionadas por el choque de su auto, ¿por qué no lo ayuda? Pues ella ha vivido el odio de los hombres y no siente compasión de un victimario, ella no lo convertirá en víctima.

[1] J. Fontaille. Soma et sema. Cap. III Máquinas, prótesis y huellas : El cuerpo posmoderno (A propósito de Marcel Duchamp) p. 217

[2] Las tres adaptaciones de la trilogía literaria Millenium son: Los hombres que no amaban a las mujeres (2009), La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina (2009) y La reina en el palacio de las corrientes de aire (2009).

Sr. Intestino

2011-01-05T05:57:00.000-08:00

Hace no mucho se realizó en la Plaza Brasil la segunda feria del cómic a la que me fui a dar una vueltecilla, a tomar sol un rato y a quemarme la naruz y los brazos... Y mirándo me encontré con un libro sobre un personaje llamado el Sr. Intestino, lo compré y me lo autografió Grotesco, el autor del cómic... y leí el cómic y no puede ser más chistoso..! Iba una mañana a la U, y me lo eché en el bolso para ir leyéndolo en la micro... me reí tanto y tan fuerte que la gente me quedaba mirándo y me daban ganas de prestárles el libro para que se rieran un rato también. Les dejo algunas tiras del Sr. Intestino y su página oficial para que sigan leyéndolo...

http://srintestino.blogspot.com/
http://grotescomics.blogspot.com/

8)

Simon's Cat

2010-12-07T17:19:00.000-08:00

Navegando de ociosa por la red me encontré con estos cortometrajes que me hicieron reir mucho... capta la esencia gatuna jaja

www.simonscat.com

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2010-11-24T04:07:00.000-08:00

Había una vez...

sólo una vez.

Cigarrillos

2010-11-03T05:55:00.000-07:00

Sintió deseos de fumar y saco su cajetilla de cigarrillos, no tenía fuego y miró a su alrededor para encontrar a algún fumador empedernido, pero no vio a nadie. Maldijo haber tomado la chaqueta equivocada, en la gris estaba el encendedor, pero no, tomó la roja, la maldita chaqueta roja que le había regalado su ex. No quiso acercarse a preguntar a alguien por fuego, le molestaba a veces el contacto con la gente, pero necesitaba fumar. Buscó un lugar donde comprar fósforos o un encendedor, era tarde y nada estaba abierto. Pensó que podía ser su oportunidad para vencer su vicio, no depender de un cigarro, para vencer la ansiedad y lo volvió a meter a la cajetilla…

Pasaron unos minutos y lo volvió a sacar de su guarida ¿cómo no va a haber fuego por acá cerca? –murmuró. Llevaba casi quince años haciéndolo. Era una suicida, siempre había planeado la forma más lenta, pero más efectiva para morir y decidió que fumando diez cigarrillos diarios le restaría unos cuantos años de vida. Sin embargo, esta noche estaba boicoteando su plan; no tenía manera de encender un maldito cigarro. Comenzó a sentirse inquieta, a comerse las uñas –que había costado años de cigarrillos para calmar la ansiedad, y así dejarlas largas y hermosas-. Se sentó en una banca y planeó esperar a alguien que pasara fumando, de todos modos no tenía donde ir esa noche, había discutido con su novia y no quería verla hasta que pensara una forma de disculparse por haber dicho toda esas estupideces. Siempre discutían, siempre estaban lanzándose sus peores deseos y luego se reconciliaban. Pensó que esta vez podría ser diferente, y de una vez por todas dejarla y de paso dejar el cigarrillo que ya la estaba volviendo loca, aunque tendría que idear otro plan suicida a largo plazo.

Pasó un largo rato y por fin apareció un tipo con un cigarrillo en la boca, se acercó, le pidió fuego y él acercó su cigarro. Le preguntó su nombre y ella inventó uno, ella preguntó de regreso el suyo, y él también inventó uno, se sentó en la misma banca que estaba ella y comenzó a hablarle sobre los grillos y sobre los autos, consideraba que esa noche el sonido de los primeros eran mucho más apabullante que el de los segundos. Ella lo miraba sin tomar mucha atención, que estupidez eso de los grillos -pensó. Él se levantó al notar su desinterés. Ella tomó otro cigarrillo antes de terminar el que tenía en la boca para poder encender otro y otro y otro… así fueron diez, esa noche quería aumentar su cuota suicida, ya en el día había fumando siete, le faltaban tres más y doblaría su dosis mortal. Los fumó, se levantó y volvió a su casa…

Hoy no dejaría de fumar y tampoco dejaría a su novia. Soy una inconsecuente –pensó. Siguió caminando a paso lento, y se dio cuenta que esa noche se escuchaban más claramente a los grillos que a los autos.

Contra la Pared

2010-10-22T18:10:00.001-07:00

Veanlaaaaaaaaaaaaaaaa,
veanlaaaaaaaaaaaa,
veanlaaaa!!!

Bizarra, cuática, turka, interesante y con un actor principal muy atractivo... me fascinó!

Giallo Italiano

2010-07-21T17:51:00.000-07:00

Giallo Italiano y Dario Argento.

Variados son los géneros de la tradición cinematográfica italiana. Alrededor de los años 60’s el cine italiano da luz a uno de los géneros, a mi parecer, más fascinantes y perturbadores, que combina la visualidad y el terror: el Giallo. Este tipo de cine, o subgénero cinematográfico se inspira y toma su nombre de una colección de libros de bolsillo de portada amarilla (giallo significa amarillo en italiano) que tienen por tema historias policíacas y de misterio. En términos cinematográficos tiene su novedad en las escenas de asesinatos explícitos filmados desde una cámara subjetiva, tramas vistas desde la perspectiva del asesino. La cámara subjetiva es una de las características más destacables del subgénero, puesto mantiene al espectador en tensión y movimiento, haciéndolo parte del film, pues nos sumerge en el terrorífico escenario del crimen de forma macabra y muy visual.

El precursor de este estilo fue Mario Bava, maestro del terror italiano quién en 1963 realiza La muchacha que sabía demasiado, un primer esbozo que cimentaría lo que más tarde sería el Giallo. El estilo cinematográfico del Giallo fue consolidado con el debut de un ex crítico de cine, Dario Argento. El pájaro de las plumas de cristal (1970) nos demuestra en toda su extensión lo que es el giallo italiano: guión tramposo, psicología desequilibrada en los personajes, sadismo y erotismo y, un gusto por los crímenes rebuscados, especialmente estilizados en su ejecución. Hay también una presencia exagerada de la sangre, visualización en primer plano de violentos ataques o del cuchillo clavándose en el cuerpo de la víctima, donde en ocasiones se explicitan desmembramientos. Francisco Esquinas, en su texto sobre el Giallo italiano, explica claramente la fórmula del giallo italiano: la trama en general trata en que el papel del protagonista lo asume un personaje civil, que se ve desenvuelto de forma casual en el primer asesinato[1]. Desde este primer punto de partida, la vida del protagonista dará un giro, envolviéndose en un viaje obsesivo por atrapar el criminal. Sentimientos como el amor, son reemplazados por los de la obsesión y el deseo enfermizo que son proyectados hacia mujeres, que por lo general son las víctimas de la mayoría de los films, que como atractivas jóvenes despiertan el deseo de psicópatas, asesinos en serie, etc. La edad de estas bellas mujeres oscila entre los 25 a los 35 años. Por su parte, el asesino tiene una presencia casi invisible alrededor de toda la película y su identidad es descubierta ya casi al final de ésta. Su indumentaria y presencia se repite a lo largo de las películas de giallo: entre sombras, cubierto casi por completo por sus ropas es introducido en las escenas por medio de una cámara subjetiva. Las localidades donde se sitúan este tipo de films se encuentran en las ciudades italianas, en reductos periféricos, casi suburbiales., en callejones, edificios antiguos o abandonados. En estos lugares el asesino actúa en la noche/madrugada, en casi ninguna ocasión lo hace a plena luz del día, lo cual aumenta el terror y angustia. El giallo italiano ha tomado por fuentes, para realizar sus producciones cinematográficas, como ya sabemos, la serie de libros comentada al comienzo, folletines y serial de suspense radiofónico[2]. Esquinas dice en su texto que la mayor virtud de la propuesta italiana fue la alta expresividad dramática a través de la violencia no censurada[3]. En definitiva, la puesta en escena y el impactante uso de la sangre son las claves de este subgénero.

Si bien, los directores del Giallo italiano son variados, me concentraré en el trabajo de Argento, por considerarlo uno de los representantes más certeros del subgénero y, por ser un reconocido cineasta de terror del tipo B. Su opera prima (El pájaro de las plumas de cristal) fue la primera de su denominada trilogía zoológica[4], Darío Argento realizaría en 1971 “El gato de las nueve colas” y “Cuatro moscas sobre terciopelo gris”. Pero debemos reconocer que su obra más importante y que se sitúo en la época dorada del giallo italiano es Profondo Rosso (1975), con un guión hecho para confundir al espectador, Argento nos sumerge en un thriller laberíntico. En una entrevista realizada al director con motivo de la primera edición del Festival Internacional de Cine Clásico de Granada, donde su film “Suspiria” sería parte de una retrospectiva dedicada al cine fantástico italiano, Argento dice que (…) los espacios laberínticos y claustrofóbicos son una constante. No sé si es un recurso visual relevante pero lo cierto es que estimula mi creatividad. Es algo que me fascina[5]. Y claro que es relevante, si este tipo de recurso visual envuelve al espectador en la trama. En la misma entrevista, la periodista pregunta al director sobre notorio trabajo de arte en las películas y él se refiere a ello diciendo lo siguiente: Siempre sentí una atracción profunda por todo tipo de expresión artística, especialmente hacia la arquitectura, la pintura y la música. La pintura ha sido una constate patente en el trabajo cinematográfico de Argento, si no es por la vía explícita de mostrar la sobras en las películas, es en base a la inspiración de éstas para sus films, así las escenas más eróticas de El Fantasma de la ópera (1998) fue inspirada en George de la Tour artista francés, quién a su vez, nutría su trabajo en Caravaggio, destacando el manejo de la iluminación tenebrista del artista italiano.

La relación de Dario Argento y la pintura puede verse reflejada en su trabajo fílmico, pero se explicita aún más en una de sus películas que se aleja del apogeo del Giallo, pero sigue la misma tradición, esta película es el Síndrome de Stendhal del año 1996. El nombre de la película se inspira en un Síndrome de particulares características; es una enfermedad psicosomática que tiene entre sus síntomas un elevado ritmo cardíaco, vértigo, confusión e incluso alucinaciones, estos síntomas se presentan cuando el individuo esta ante una sobredosis de belleza artística tanto pinturas como algún otro tipo de obra de arte. El Síndrome es también llamado de Florencia, pues como lo habíamos comentado con anterioridad, una de las ciudades de gran connotación artística y donde más se ha detectado esta anomalía en este lugar. El Síndrome fue denominado con este nombre por el autor francés Henri-Marie Beyle, quién dio la primera descripción detallada de dicho síndrome en su libro Nápoles y Florencia: Un viaje de Milán a Reggio, tras haberlo padecido en su visita a la Basílica de Santa Cruz en Florencia en el año 1817. Su experiencia fue así relatada:

"Había llegado a ese punto de emoción en el que se encuentran las sensaciones celestes dadas por las Bellas Artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de Santa Croce, me latía el corazón, la vida estaba agotada en mí, andaba con miedo a caerme".[6]

El Síndrome no fue considerado como tal, hasta que en 1979 la psiquiatra italiana Graziella Magherini observó más de 100 casos como el de Stendhal y escribió sobre ellos. En la película de Dario Argento, el Síndrome se ve claramente ejemplificado, pero lo que nos convoca acá no es la dimensión psicológica, sino la intensa relación de la obra de arte en la película con el personaje principal: Anna (interpretado por Asia Argento, hija del director). La historia en esencia trata sobre Anna que es un agente de la policía quién está siguiendo la pista de un asesino. En una visita la Galería Uffizi sufre el denominado Síndrome de Stendhal y pierde el sentido. Esta primera escena de la película es fundamental, en ella podemos observar la estrecha relación de la obra de arte con el cine: Anna entra a la galería, apretujada por la multitud, comienza a recorrer el lugar, atónita ante las maravillas artísticas. Vaga algo perdida entre la gente, cuando finalmente ingresa en la Sala Del Botticelli donde se queda observando el cuadro de El Nacimiento de Venus, luego se acerca a La Primavera, en ambos casos, surge una cámara subjetiva que emula el recorrido visual de Anna, imitando como sería la manera en que el ojo humano recorre el cuadro. Llega a la Sala Delle Carte Geografiche, donde se encuentra cara a cara con la Cabeza de Medusa de Caravaggio de 1598. La obra representa (…) el instante en que la espada de Perseo acaba de cercenar la cabeza de la Medusa, en cuyo rostro aún permanece ese grito de horror al ver su propia monstruosidad reflejada en el espejo[7]. Una de las características de esta obra es la habilidad del artista para crear la ilusión de que esa horrorosa cabeza se proyecte hacia el espacio real, dando la ilusión de que la Medusa <>, y ello, no pudo ser evitado por Anna. La protagonista comienza a respirar agitadamente, se sujeta de una mesa que está a su lado y todo comienza a darle vueltas, su mirada busca una salida, pero no la encuentra, a su alrededor sólo hay obras de arte que la observan, que la quieren atrapar. Anna se queda mirando la obra La caída de Ícaro, del pintor holandés Pieter Bruegel el Viejo. Este artista se caracteriza por pintar escenas de vida de campesinos, pero La caída de Ícaro es una escena mitológica. Ana M. Berry describe el cuadro en estas palabras:

De una belleza lírica y apacible, que difiere de la usual manera del maestro (…) El mar azul, la costa bañada en la temprana luz matinal, la envergada goleta, el campesino con su gabán gris y rojo blusón, que con la cabeza inclinada, va manejando la bestia que arrastra el primitivo arado, las figuritas del pastor con su rebaño y del pescador atento a su tarea, forman un conjunto bucólico. ¿Qué tiene que ver con ello Ícaro a quien apenas se puede descubrir (dos pequeñas piernas sobre las aguas indican su caída)?[8]

Distinta de la lírica descripción de Berry es la experiencia de Anna en Uffizi. Tras observar la pintura de Bruegel, se produce lo que cualquier pintor barroco hubiese aspirado a que sucediese, la alucinación donde Anna se sumerge en las profundidades del mar, dentro del cuadro. Se produce la extensión de la realidad al cuadro. Anna cae al mar y se hunde hasta el fondo, llegando a encontrarse con un ser acuático al cual besa. Tras el desmayo y ya en su apartamento, Anna sufre otro encuentro con la obra de arte, esta vez se trata de la Ronda Nocturna de Rembrandt, la mujer se acerca al cuadro, del cual comienzan a salir sonidos y voces, correspondientes a la escena representada, el cuadro se disuelve y da paso a una puerta donde Anna recuerda los hechos que la habían llevado hasta allí. En otra escena, Anna se encuentra en una sala en espera de que la reciban una comisión del departamento de policía, en esta sala hay un cuadro de grandes dimensiones que representa una escena natural, donde cae una cascada. Anna mira fijamente la escena y comienza a caminar hacia ésta, introduciéndose, llegando incluso a mojarse por la cascada que cae, Anna se introduce totalmente en el cuadro, sintiendo la escena estática, dándole movimiento.

Luego, en una conversación con su psiquiatra, Anna relata lo sucedido aquel día y él le da la descripción del síndrome que padece. El psiquiatra aconseja a Anna que vuelva una temporada con su familia. Estando allí, recuerda que durante su niñez, su madre (pintora) la llevaba al museo para enseñarle historia del arte, y recuerda que cuando niña también sufrió un episodio del síndrome. Anna decide dedicarse con devoción enfermiza a la pintura, llegando incluso a pintar totalmente su cuerpo con óleo y refregándolo sobre un gran trozo de papel tirado en el suelo.

Durante el resto de la película, la relación de Anna con la pintura es fundamental, llega a conocer a un hombre francés que estudia bellas artes a quién asesina. Ya hacia la escena final, cuando los policías, colegas de Anna, conocen la verdad, van en su búsqueda a su casa y tras un agitado forcejeo, varios de ellos toman a Anna, entre cobijas blancas, emulando una escena de La Pietà, un guiño innegable a la historia del arte en términos de la composición de los últimos segundos de la película.

El síndrome de Stendhal, más allá de su dimensión clínica y psicológica como una enfermedad psicosomática, se ha convertido en un referente de la reacción romántica, ante la acumulación de belleza y la exuberancia del goce artístico[9]. El romanticismo como una corriente artística, ensalzaba las pasiones y la sensibilidad humana, ante la razón y los ideales clásicos que reinaban en el periodo anterior. Arnold Hauser hace una interesante comparación entre el romanticismo y el cine:

En efecto el cine ha sido comparado con el del alcohol y el opio, y la multitud que sale vacilante de la sala en la noche oscura ha sido calificada de borracha y anestesiada, que no puede ni quiere darse cuenta de la situación en la que se encuentra. Pero este efecto no es privativo del cine; tiene su origen en el arte romántico[10].

La relación del cine y la pintura se hace patente, no tan sólo en términos formales, en cuanto a la construcción de la imagen cinematográfica, también podemos observar relaciones teóricas, como es el ejemplo de esta reacción ante la belleza artística, el romanticismo y el síndrome. Relacionando el Síndrome de Stendhal y la película analizada de Dario Argento, observamos el cumplimiento de la utopía Renacentista y desarrollada hasta lo culmine por el Barroco, el movimiento de la imagen, llevando al espectador dentro del cuadro, a la compenetración total de la persona con la realidad pictórica, completando así la obra de arte.

Como últimas palabras podemos decir que el mundo del arte está constantemente mencionado dentro de los films de Dario Argento, sobretodo la pintura de destacados artistas, y en general, toda la historia del cine pareciera estar ligada indisociablemente de la historia del arte, en una confluencia mutua.

[1] Esquinas, Francisco, El Giallo Italiano. Documento en línea http://fama2.us.es/fco/frame/new_portal/textos/num4/3.2.pdf

[2] Esquinas, Francisco, El Giallo Italiano.

[3] Esquinas, Francisco. Op. Cit.

[4] Cruz, Dimas. Giallo italiano en http://www.lafactoriaecija.com/revista_electronica/?p=4692

[5] Entrevista: María José López, Traducción: Francisco Covarino en: http://www.septimovicio.com/entrevistas/22042009_dario-argento-el-unico-linde-que-acepto-es-el-de-no-atentar-contra-el-buen-gusto/

[6] Mangieri, Rocco. Parálisis, trauma y crisis en la experiencia estética: el síndrome de Stendhal en: http://www.tonosdigital.com/ojs/index.php/tonos/article/viewFile/204/164

[7] Grandes Maestros de la Pintura: Caravaggio. España: Sol, p. 52.

[8] Berry, M. Ana. Bruegel el Viejo, Buenos Aires: Poseidón, p. 12-13

[9] Mangieri, Rocco, op. Cit.

[10] Hauser, A. Historia social de la literatura y del arte. Colombia: Labor, p. 354.

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2010-03-06T12:58:00.000-08:00

De Liniers...

The Piano

2010-02-12T06:17:00.000-08:00

Hay un silencio
donde nunca ha habido sonido
hay un silencio
donde no puede haber sonido
en la fría tumba
bajo el profundo, profundo mar...

*The Piano escrita y dirigida por Jean Campion el año 1993.

Mary and Max

2010-02-08T17:37:00.000-08:00

Esta pelicula animada basada en una historia real, narra la amistad que se forja por medio de correspondencia de un cuareton judío con graves trastornos psicólogicos y una niña australiana de 8 años, a quién la vida no la ha tratado del todo bien...

La perfecta señorita - Patricia Highsmith

2010-02-07T10:39:00.000-08:00

La perfecta señorita
[Cuento. Texto completo]

Patricia Highsmith

Theodora, o Thea como la llamaban, era la perfecta señorita desde que nació. Lo decían todos los que la habían visto desde los primeros meses de su vida, cuando la llevaban en un cochecito forrado de raso blanco. Dormía cuando debía dormir. Al despertar, sonreía a los extraños. Casi nunca mojaba los pañales. Fue facilísimo enseñarle las buenas costumbres higiénicas y aprendió a hablar extraordinariamente pronto. A continuación, aprendió a leer cuando apenas tenía dos años. Y siempre hizo gala de buenos modales. A los tres años empezó a hacer reverencias al ser presentada a la gente. Se lo enseñó su madre, naturalmente, pero Thea se desenvolvía en la etiqueta como un pato en el agua.

-Gracias, lo he pasado maravillosamente -decía con locuacidad, a los cuatro años, inclinándose en una reverencia de despedida al salir de una fiesta infantil. Volvía a su casa con su vestido almidonado tan impecable como cuando se lo puso. Cuidaba muchísimo su pelo y sus uñas. Nunca estaba sucia, y cuando veía a otros niños corriendo y jugando, haciendo flanes de barro, cayéndose y pelándose las rodillas, pensaba que eran completamente idiotas. Thea era hija única. Otras madres más ajetreadas, con dos o tres vástagos que cuidar, alababan la obediencia y la limpieza de Thea, y eso le encantaba. Thea se complacía también con las alabanzas de su propia madre. Ella y su madre se adoraban.

Entre los contemporáneos de Thea, las pandillas empezaban a los ocho, nueve o diez años, si se puede usar la palabra pandilla para el grupo informal que recorría la urbanización en patines o bicicleta. Era una típica urbanización de clase media. Pero si un niño no participaba en las partidas de «póquer loco» que tenían lugar en el garaje de algunos de los padres, o en las correrías sin destino por las calles residenciales, ese niño no contaba. Thea no contaba, por lo que respecta a la pandilla.

-No me importa nada, porque no quiero ser uno de ellos -les dijo a sus padres.

-Thea hace trampas en los juegos. Por eso no queremos que venga con nosotros -dijo un niño de diez años en una de las clases de Historia del padre de Thea.

El padre de Thea, Ted, enseñaba en una escuela de la zona. Hacía mucho tiempo que sospechaba la verdad, pero había mantenido la boca cerrada, confiando en que la cosa mejorara. Thea era un misterio para él. ¿Cómo era posible que él, un hombre tan normal y laborioso, hubiese engendrado una mujer hecha y derecha?

-Las niñas nacen mujeres -dijo Margot, la madre de Thea-. Los niños no nacen hombres. Tienen que aprender a serlo. Pero las niñas ya tienen un carácter de mujer.

-Pero eso no es tener carácter -dijo Ted-. Eso es ser intrigante. El carácter se forma con el tiempo. Como un árbol.

Margot sonrió, tolerante, y Ted tuvo la impresión de que hablaba como un hombre de la edad de piedra, mientras que su mujer y su hija vivían en la era supersónica.

Al parecer, el principal objetivo en la vida de Thea era hacer desgraciados a sus contemporáneos. Había contado una mentira sobre otra niña, en relación con un niño, y la chiquilla había llorado y casi tuvo una depresión nerviosa. Ted no podía recordar los detalles, aunque sí había comprendido la historia cuando la oyó por primera vez, resumida por Margot. Thea había logrado echarle toda la culpa a la otra niña. Maquiavelo no lo hubiera hecho mejor.

-Lo que pasa es que ella no es una sinvergüenza -dijo Margot-. Además, puede jugar con Craig, así que no está sola.

Craig tenía diez años y vivía tres casas más allá. Pero Ted no se dio cuenta al principio de que Craig estaba aislado, y por la misma razón. Una tarde, Ted observó cómo uno de los chicos de la urbanización hacía un gesto grosero, en ominoso silencio, al cruzarse con Craig por la acera.

-¡Gusano! -respondió Craig inmediatamente.

Luego echó a correr, por si el chico lo perseguía, pero el otro se limitó a volverse y decir:

-¡Eres un mierda, igual que Thea!

No era la primera vez que Ted oía tales palabras en boca de los chicos, pero tampoco las oía con frecuencia y quedó impresionado.

-Pero, ¿qué hacen solos, Thea y Craig? -le preguntó a su mujer.

-Oh, dan paseos. No sé -dijo Margot-. Supongo que Craig está enamorado de ella.

Ted ya lo había pensado. Thea poseía una belleza de cromo que le garantizaría el éxito entre los muchachos cuando llegara a la adolescencia y, naturalmente, estaba empezando antes de tiempo. Ted no tenía ningún temor de que hiciera nada indecente, porque pertenecía al tipo de las provocativas y básicamente puritanas.

A lo que se dedicaban Thea y Craig por entonces era a observar la excavación de un refugio subterráneo con túnel y dos chimeneas en un solar a una milla de distancia aproximadamente. Thea y Craig iban allí en bicicleta, se ocultaban detrás de unos arbustos cercanos y espiaban riéndose por lo bajo. Más o menos una docena de los miembros de la pandilla estaban trabajando como peones, sacando cubos de tierra, recogiendo leña y preparando papas asadas con sal y mantequilla, punto culminante de todo esfuerzo, alrededor de las seis de la tarde. Thea y Craig tenían la intención de esperar hasta que la excavación y la decoración estuvieran terminadas y luego se proponían destruirlo todo.

Mientras tanto a Thea y a Craig se les ocurrió lo que ellos llamaban «un nuevo juego de pelota», que era su clave para decir una mala pasada. Enviaron una nota mecanografiada a la mayor bocazas de la escuela, Verónica, diciendo que una niña llamada Jennifer iba a dar una fiesta sorpresa por su cumpleaños en determinada fecha, y por favor, díselo a todo el mundo, pero no se lo digas a Jennifer. Supuestamente la carta era de la madre de Jennifer. Entonces Thea y Craig se escondieron detrás de los setos y observaron a sus compañeros del colegio presentándose en casa de Jennifer, algunos vestidos con sus mejores galas, casi todos llevando regalos, mientras Jennifer se sentía cada vez más violenta, de pie en la puerta de su casa, diciendo que ella no sabía nada de la fiesta. Como la familia de Jennifer tenía dinero, todos los chicos habían pensado pasar una tarde estupenda.

Cuando el túnel, la cueva, las chimeneas y las hornacinas para las velas estuvieron acabadas, Thea y Craig fingieron tener dolor de tripas un día, en sus respectivas casas, y no fueron al colegio. Por previo acuerdo se escaparon y se reunieron a las once de la mañana en sus bicicletas. Fueron al refugio y se pusieron a saltar al unísono sobre el techo del túnel hasta que se hundió. Entonces rompieron las chimeneas y esparcieron la leña tan cuidadosamente recogida. Incluso encontraron la reserva de papas y sal y la tiraron en el bosque. Luego regresaron a casa en sus bicicletas.

Dos días más tarde, un jueves que era día de clases, Craig fue encontrado a las cinco de la tarde detrás de unos olmos en el jardín de los Knobel, muerto a puñaladas que le atravesaban la garganta y el corazón. También tenía feas heridas en la cabeza, como si lo hubiesen golpeado repetidamente con piedras ásperas. Las medidas de las puñaladas demostraron que se habían utilizado por lo menos siete cuchillos diferentes.

Ted se quedó profundamente impresionado. Para entonces ya se había enterado de lo del túnel y las chimeneas destruidas. Todo el mundo sabía que Thea y Craig habían faltado al colegio el martes en que había sido destrozado el túnel. Todo el mundo sabía que Thea y Craig estaban constantemente juntos. Ted temía por la vida de su hija. La policía no pudo acusar de la muerte de Craig a ninguno de los miembros de la pandilla, y tampoco podían juzgar por asesinato u homicidio a todo un grupo. La investigación se cerró con una advertencia a todos los padres de los niños del colegio.

-Sólo porque Craig y yo faltáramos al colegio ese mismo día no quiere decir que fuésemos juntos a romper ese estúpido túnel -le dijo Thea a una amiga de su madre, que era madre de uno de los miembros de la pandilla. Thea mentía como un consumado bribón. A un adulto le resultaba difícil desmentirla.

Así que para Thea la edad de las pandillas -a su modo- terminó con la muerte de Craig. Luego vinieron los novios y el coqueteo, oportunidades de traiciones y de intrigas, y un constante río, siempre cambiante, de jóvenes entre dieciséis y veinte años, algunos de los cuales no le duraron más de cinco días.

Dejemos a Thea a los quince años, sentada frente a un espejo, acicalándose. Se siente especialmente feliz esta noche porque su más próxima rival, una chica llamada Elizabeth, acaba de tener un accidente de coche y se ha roto la nariz y la mandíbula y sufre lesiones en un ojo, por lo que ya no volverá a ser la misma. Se acerca el verano, con todos esos bailes en las terrazas y fiestas en las piscinas. Incluso corre el rumor de que Elizabeth tendrá que ponerse la dentadura inferior postiza, de tantos dientes como se rompió, pero la lesión del ojo debe ser lo más visible. En cambio Thea escapará a todas las catástrofes. Hay una divinidad que protege a las perfectas señoritas como Thea.

FIN

C'est Bienvenu

2009-12-31T16:54:00.000-08:00

A comer lentejas,
a ponerse los calchunchos amarillos,
a correr con las maletas...

+2010+

2009-12-29T17:23:00.000-08:00

Se levanta todos los días
Trabaje o no, a las 7 am
Se corta las uñas una vez a la semana
y el pelo una vez al año…
Come
Duerme
Sueña a veces,
Algunos de sus sueños son aterradores
El resto absurdos.
Camina con un pie medio chueco,
Respira dos veces por segundo.
Y ríe, ríe mucho

.***

+++++++++++++++++++++++++++

2009-12-06T16:51:00.000-08:00

Me cuestioné mil veces la existencia inconexa
de aquellas cosas que existen con aparente conexión,
y cite todos los libros sobre los que he leído para poder comprender
aquellos patrones patológicos incongruentes que caen de la nada
y se posan enfermizamente en mi cabeza.

Las mariposas iban y venían
desde los lugares más extravagantes
con los colores menos accesibles...
Y las tomé todas, en mis manos vacilantes y torpes.
Las tome y las apreté fuerte,
como si te tuviera a ti entre mis manos
sin querer que te fueras de ellas...
las aniquilé,
como quizá te aniquilé a ti tantas veces por mi afán asfixiante
de quererte como a nadie.

Siempre he comido pétalos de rosas,
hojas de árboles y mis uñas, sí, mis uñas.
Ya de ellas queda poco, igual que de los pétalos y de las hojas de árbol.

La mayoría de las cosas que pasan por mi cabeza
y luego por mis manos,
duran lo que duraría un suspiro,
se disuelve en el infinito
y en mi desesperación me arranco pedazo de mis labios,
hasta sentir el dolor que me haga recordarte.

***

*La fotografía Gustav Klimt y su obra El Beso.

Escena de Avanzada

2009-12-03T05:46:00.000-08:00

La Escena de Avanzada fue la denominación que le dió la teórica Nelly Richard a cierta producción de obra que circuló en el campo no oficial de la escena artística chilena durante la época de la Dictadura Militar (1973-1989). Dicha escena se articula frente a un contexto determinante. La Dictadura se impone como un momento de corte con todo el sistema antes conocido social, cultural y politicamente hablando; marca un quiebre, una ruptura, una discontinuidad en todo ámbito de la vida chilena. La Dictadura militar se impone desterrar todo vestigio del proyeco histórico de la Unidad Popular, y para ello, a método de borradura, exilia tanto a intelectuales, artistas o cualquier zimpatizante con el gobierno anterior.
La escena de Avanzada en la semiclandestinidad, comienza (artistas, críticos y poetas) a producir una obra contraria al relato oficial, pero dicha obram sobretodo en las artes plásticas sólo pudo ser concebida desde ciertos mecanismos de metonimia, metáfora y simulacro. Como ejemplo de ellos podermos citar las aeropostales de Eugenio Ditrborn [1], quién ingenió la forma de serigrafiar fotografías encontradas en revistas deportivas donde el cuerpo representaba la máxima exigencia de sí, o en otra lectura más contestataria, sería la puesra en escena de forma metafórica del cuerpo torturado.

Con respecto al mismo tem del cuerpo mutilado aparece el poeta Raúl Zurita y la escritora Diamela Eltit. Ambos utilizan su propio cuerpo como lugar de tortura, se infringen cortes, mutilan su piel. El trabajo performatico de la escritora "zonas de dolor"[2], donde corta y marca sus brazos y piernas, dentro de la misma línea de trabajo en zonas de dolor III, 1980, Eltit besa a un vagabundo, rompiendo con el canón sumiso de la mujer como la idealiza el regimen militar y por otro lad, la corrupción del cuerpo prostituido que presta servicios a cambio de nada.

Los artistas de la denominada Escena de Avanzada (Lotty Rosendfeld, Eugenio Dittborn, Juan Dávila, Carlos Leppe, entre otros) se caracterizan por la puesta en crisis de las convenciones artísticas, para ello se sirven de diferentes medios no canónicos como la fotografía (ya no desde su dimensión técnica, sino como una figura retórica), el cine, la performance, las acciones de arte.
La Escena de Avanzada critica la institucionalidad, con ello citamos al CADA (colectivo acciones de arte) integrado por Lotty Rosenfeld (artista visual), Raúl Zurita (poeta), Juan Castillo (Artista Visual), Diamela Eltit (escritora) y Fernando Ballcels (sociólogo). Dicho grupo comienza sus acciones en el año 1979 hasta 1985. El tipo de manifestación artística que ellos ejecutan se relaciona directamente en el ámbito de lo social. El grupo realizaba sus acciones entre lagente, en la ciudad. SI bien, recurrían también al simulacro y camuflaje ("Para no morir de hambre en el arte", 1979, acción donde entregan 1/2 litro de leche en una población de bajos recursos, sonde hacen alusión a las cuarenta medidas de Salvador Allende donde dispoía que todo niño en su gobierno recibiría 1/2 litro de leche diariamente). Su obra estaba inmersa en el espacio otro, fuera de la institucionalidad del museo. Como crítica el CADA resalta su labor distinta del trabajo de otros artistas que realizan obras alegóricas (Leppe, Dittborn) alegando sobre la situación actual, sin embargo, no se pasan a la acción como lo hacía el CADA. En este grupo de artistas se hace consciente la importancia del registro, pues en su arriesgada labor, era necesario dejar registro fotográfico o filmico de cada acción, pues no tenían seguridad de que luego fueran peor de los escenaros, muertos.

Otra característica de los artistas que están bajo la denominación de la Escena de Avanzada, es el uso del cuerpo. Es en esete caso donde Carlos Leppe [3] y su trabajo performático es citado por Nelly Richard. Leppe utilizando su propio cuerpo como soporte de obra. En su trabajo "El Perchero", Leppe se trasviste, corrompe su propia identidad, jugando con los roles sexuales, desde ahí emerge la crítica hacia el contexto dictatorial, donde todo concepto esta definido, sin ambigüedad. Otro caso del uso del cuerpo, menos explícito que e Leppe, es el trabajo sostenido por Lotty Rosenfeld, en "Una milla de cruces en el camino", 1979. Acá surgen tres elementos: el cuerpo de la artista, la relación que tiene al enmarcar la calle, (el signo) y la ciudad, pero una ciudad particular, una fuertemente represiva. El trabajo de Lotty juega con los signos y con la rectitud de ellos; de pasar a un signo (-), lo lleva a un signo (+), desacralizando el espacio del irden, apropiándose de él en el gesto mínimo de cruzar la cinta en el pavimento.

Finalmente, la producción teórica de esta época fue de suma importancia. Partiendo del libro Margenes e instituciones, 1986, donde Nelly Richard produce un tipo de escritura que parece encriptada, un tipo de lenguaje que también simula algo más, evadiendo a la autoridad. Como Richard, otros teóricos participaron de esta nueva forma de escribir donde la obra y el texto son complices de la rebeldía ante el Regimen. Teóricos como Pablo Oyarzún, Adriana Valdés, Enrique Lihn, Ronald Kay, participaron de esta resistencia.

___________________________________________

[1] Eugenio Dittborn, Pieta

[2] Diamela Eltit, Zonas de dolor.

[3] Carlos Leppe

***

IT: El eterno retorno de una huella imborrable

2009-11-09T18:50:00.000-08:00

“Cuando vives el ahora, ese instante nos parece real,
pero una hora después pertenecerá a la memoria,
y las imágenes de la memoria tienen exactamente
la misma calidad que las imágenes de un sueño.”

Alejandro Jodorowsky, “Psicomagia”.

Toda persona padece en su pre-historia (en esa época donde cada uno de nosotros según Freud, aún no se ha constituido como sujeto), un acontecimiento que le marcará de por vida. Todos padecemos en esta época de no-sujeto, una escena primaria que permanece intacta, sin ninguna elaboración histórica. Arcaica. Se mantiene el vestigio de un evento que tuvo lugar en un sin-lugar, pues no se sitúa en ningún sitio. Tuvo su momento en la historia, antes de toda historia. Esta escena primaria permanece sin modificación, y así, inmutable, incorruptible, ilegible insiste una y otra vez, en un eterno retorno en la historia del sujeto. La manera en cómo se forjará y desarrollará nuestra vida depende directamente de esta escena primaria.
La presencia del pasado en el presente vuelve continuamente. Todos somos la formación de un padecer que se cimentó en una época donde no teníamos las herramientas necesarias para codificar lo acontecido. Aquella escena primaria, primordial, que forjó toda dirección de acontecimiento a posteriori. Debemos recalcar que nuestro ser sujeto esta sustentado por el padecimiento de esta escena primordial. Las huellas e inscripciones que llegan despojadas de toda legibilidad, llegan a nuestro presente en formas desplazadas, las cuales carecen, en una primera lectura, de significación coherente. La manera en que se manifiesta este pasado es mediante síntomas. Todos padecemos síntomas, según Freud un síntoma es la manifestación del inolvidable olvidado. En todos nosotros retornan continuamente las huellas de un pasado que nunca pasó en la historia del sujeto (pero si en su pre-historia). Las huellas se desplazan a través de significantes que son un mero vehículo para el significado. El significado se mantiene en el lugar del origen primordial, en el lugar de lo perdurable. El significante se mueve en diferentes lugares, de distintas formas, con elementos diversos, pero siempre apunta hacia el mismo significado, inmutable. Todo aquello que padecemos constantemente en nuestra vida no es más que lo ya pasado, lo que fue, las huellas. El inconsciente es la insistencia en el sujeto actual de esas huellas.
Luego de la afirmación anterior, podemos conjeturar que finalmente nada va a pérdida. Todo acontecimiento es internalizado, nada se pierde, todo queda registrado. Pero este registro monumental de todo acontecer tiene una condición para que funcione como tal: su ilegibilidad. Reposan en nosotros mismos todos los sucesos, sin embargo no podemos comprenderlos. La historia de cada ser humano esta sustentada en un dispositivo desde donde no es posible desechar ningún acontecimiento. La memoria como archivo donde se perpetúa todo suceso. Para el trabajo de anamnesis (re-memorización) es necesario un dispositivo que ayude a su re-monetización. A partir de un objeto se actualiza el acontecimiento, sin inscripción de algún tipo no hay recuperación del sentido. Así como podemos observar la escena onírica. A partir de la re- memorización de un sueño se puede desplegar una re- construcción del acontecimiento.
La obra que desplegaré con respecto al tema de las huellas que retornan y lo que nada va a pérdida es la película IT, basada en el libro del escritor Stephen King. La historia gira entorno a un ente maligno que se alimenta de niños. Este hecho marca a los personajes. Es el retorno de aquella huella inmemorial que esta ejemplificada en el caso de 7 niños que habitan un pueblo el cual guarda todos sus recuerdos de infancia. Cada personaje trae a colación la importancia de aquello que se vive y queda impregnado en el inconsciente. Los niños se vuelven a reunir en su adultez, 30 años más tarde, por una promesa de infancia, unidos por una situación en común que los marcará de por vida. A pesar de que no lo tomen en cuenta, hasta que uno de sus amigos los llame para recordárselo. Dentro de estos siete personajes hay tres que ejemplifican el concepto de eterno retorno de las huellas, como insistencia del pasado que nunca fue presente, que propone Freud.
El velo del inconsciente se desplaza a raíz del reencuentro de este grupo de amigos y la re- memorización de la promesa infantil: acabar con IT. Luego de volver a contactarse vuelven aquellos recuerdos que creyeron dormidos, pero realmente estaban desplazados en otras materias de su vida: Reiteración en las parejas de un modelo paterno mal tratador, desplazamiento del miedo propio proyectándolo en cuentos de terror, imposibilidad de relacionarse amorosamente con otra mujer que no fuere su madre, etc. Todos los niños del grupo tienen dos factores en común, uno de ellos la soledad y el otro el miedo a IT.
En todos los niños insiste su pasado, las cosas que marcaron su ser sujeto. Además de la situación en común que viven estos niños con respecto a IT, cada uno guarda una historia personal que los persigue irremediablemente mediante diferentes fórmulas. Uno de ellos es Beverly causa de la ausencia de su madre debe someterse a un padre que la maltrata. La relación que mantiene con su padre es de amor-odio. Finalmente el modelo paterno será el cual regirá todos los modelos de hombre que Beverly busca como pareja. Por otro lado se encuentra Eddie un niño enfermizo, a causa de la muerte de su padre su madre, como la única figura masculina que tiene y temiendo perderlo como a su esposo, lo mantiene sobre protegido y convencido de su asma que tan sólo ella fue la creadora. No permite que su hijo tenga amigos, y ni siquiera permite que se duche con otras personas, pues solamente ella pode hacerlo. Esta situación trae como consecuencia la absoluta dependencia de Eddie con respecto a su madre. Termina creyendo su condición de asmático y no puede abandonar sus medicamentos. La necesidad constante de ingerir sus medicamentos da en cuenta un desplazamiento de sus experiencias de infancia que quedaron conjugadas en un inhalador para asmáticos. A la edad de casi 40 años Eddie aún vive con su madre, es virgen y no hace nada sin su consentimiento. Las experiencias de la niñez forjan, de esta forma, al carácter y personalidad de su etapa adulta. Sus gustos, sus miedos están delimitados por sucesos del pasado. Bill, el protagonista de la historia sufre de una tartamudez cuando es niño, que ya adulto supera. Sin embargo en el momento que recuerda la muerte de su hermano menor asesinado por ese ente maligno, IT, como acto reflejo vuelve a tartamudear. La historia de Bill parecía olvidada, pero solamente fue desplazada. Bill es escritor de cuentos de terror, y él mismo, ya al final de la película, se da cuenta que escribió libros para asustar a la gente, pero era él el asustado. La proyección de su miedo esta situada en la escritura de historias que aterren a los demás, para que de alguna manera el resto también sienta lo que él. El origen de todo su miedo se funda en la escena traumática de la muerte de su hermano menor.
Así, todo lo que creyeron olvidado o superado no era más que mera apariencia. Las huellas de su pasado habían coexistido con su presente todo el tiempo, tan sólo que estaban desplazadas en otros objetos significantes, sin embargo el significado que guardaban era el mismo. Pequeños gestos remiten a esa niñez que los marcó y al acontecimiento que fue determinante en sus vidas: IT. Solamente después del tiempo los niños ya adultos re-cobran el sentido de su pasado. Tan sólo a distancia del suceso elaboran una verdad memorable. Pueden hacer un recuento de su vida, por medio de conversaciones, escrito u objetos, canciones o palabras que re- mueven su memoria y re- construyen su pasado. Valoran los acontecimientos del pasado en tanto perdidos, acontecimiento que en alguna fracción reposa en una huella imborrable.

***

Vampiros, vampiros, vampirooos!!!!

2009-11-01T07:36:00.000-08:00

Que puedo decir al respecto, simplemente me fascinan. Creo que no hay personaje más seductor y ambigüo.

Les dejo algunas escenas, llenas de sangre, sensualidad y tinieblas jeje.....

Disfruten!

Edgar Degas (1834-1917)

2009-10-30T13:02:00.000-07:00

Pintor y escultor francés, conocido como uno de los fundadores del estilo impresionista, sin embargo, su tendencia pictórica se apartaba del paisaje y más bien prefería la estancia urbana y los lugares citadinos. Dentro su gama de trabajos plásticos, encontramos en particular un tipo de pintura que me gusta en demasía. Se trata de sus famosas bailarinas de ballet. Acá les dejo una muestra de estas pinturas, donde la mancha y la pasta pictórica predomina en el cuadro.

Edgar Degas. Ballet Class. 1881.
Oil on canvas.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, USA.

Edgar Degas. Ballet Rehearsal on Stage.
Oil on canvas.
Musée d'Orsay,
Paris, France.

Edgar Degas. Ballet Rehearsal on the Set. 1874.
Oil on canvas.
Musée d'Orsay,
Paris, France.

Edgar Degas. Ballet Scene. 1907.
Pastel in cardboard.
The National Gallery of Art,
Washington, DC, USA.

Edgar Degas.
Ballet Scene. c.1878-80.
Pastel on monotype.
Whereabouts unknown.

Edgar Degas. Blue Dancers. c.1890.
Oil on canvas.
Musée d'Orsay,
Paris, France.

Edgar Degas. Dance Class. 1874.
Oil on canvas.
Musée d'Orsay, Paris, France.

Edgar Degas. Dance Class. About 1871.
Oil on wood.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, USA.

Edgar Degas. Dancer at the Photographer's. 1870s
Oil on canvas.
The Pushkin Museum of Fine Art,
Moscow, Russia.

Edgar Degas. Dancers in the Old Opera House. 1877.
Pastel.
The National Gallery of Art,
Washington, DC, USA.

Edgar Degas. Dancing Examination. 1874.
Oil on canvas.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, USA.

Edgar Degas. Dancers Practising at the Bar. 1876-77.
Mixed media on canvas.
The Metropolitan Museum of Art,
New York, USA.

Edgar Degas. The Star. 1876-77.
Pastel on monotype.
Musée d'Orsay, Paris, France.

2009-10-13T17:52:00.000-07:00

Un director bastante particular, sus peliculas parecen no tener un desarrollo definido. Sin personajes principales, sin nombres, sumergido en lo cotidiano Tsai Ming Liang crea historias con escenas interminables de llantos, bailes inconexos y personajes anònimos. Un cine de alta resistencia, no cualquiera tiene la paciencia de terminar una de sus peliculas...

Fragmento de Dong (The hole) de Tsai Ming Liang

Mininos

2009-10-05T09:51:00.000-07:00

Estoy segura,

guardan un secreto

que no quieren compartir,,,

***

El Trato

2009-10-05T07:32:00.000-07:00

Mis pechos no se caerán,
Tienen un complot místico con la gravedad…con el Universo.
Hicieron un trato,
Por las noches las dejo sueltos, desnudos
Y las exhibo por la ventana,
Así la atmósfera, la estratósfera, el Universo
Los observan,
Este es el trato:
Sí dejo que los vean
No los dejarán caer.

*La escultura es de Rodin...

Algo de cine: Persépolis

2009-10-04T12:01:00.000-07:00

Véanla.... recomendada absolutamente.

Armando Reverón

2009-09-26T19:21:00.000-07:00

Armando Reverón es un artista venezolano, que desarrolla un tipo de pintura disidente para su época. A principios de los años 20 en Latinoamerica se da una oleada de pintura indigenista (modernista en Brasil), donde se trata de reivindicar la imagen de "Latinoamericanos", desligándose del imaginario europeo, creando así un estilo propio donde distinguían en particular el paisaje y la caracterización de tipos populares. Sin embargo, Reverón, introduce un tipo disntinto de arte plástica. En 1930 le diagnostican esquizofrenia, y a raíz de esta enfermedad el artista comienza a instalar un imaginario irrevente. Luego de que le diagnosticaran esta enfermedad, Reverón comienza a pintar una serie de obras que tienen como objetivo como captar la luz, de manera que tan sólo trabaje con diferentes intensidades de blanco. Luego comienza a pintar a su novia, Juana, que era una prostituta que cuidaba su choza. Así también se ingenió para trabajar con las materialidades más precarias, utilizaba soportes cartón, papel kraff, entre otros elementos para realizar sus obras. Más tarde, comenzó a realizar sus objetos con valor artístico como dominós, jaulas para pajaros, muñecas (que a su vez le servían de amantes). Finalmente este irreverente artista muere destruído por la esquizofrenia. Su alterada condición mental, puede ser perfectamente comaprable con la genialidad de Van Gogh, y al ver las obras de Reverón me pregunto ¿Cuál e sla diferencia entre una obra de un artista "normal" y de este enfermo, pero alucinante pintor? A mi juicio ninguna...

The sins of thy beloved

2009-09-11T13:14:00.000-07:00

Un poco de música, en particular no me gusta mucho el Gothic Metal, grupos como Xandria, After Forever, Within Temptation, me sorprenden poco, no me producen mayores sensaciones, son más de lo mismo, prefiero la vieja escuela el death rock, el dark wave y el gothic rock. Sin embargo The sins of thy beloved, y en especial este tema Forever, me trastorna, de los pocos grupos de esta rama que me deleita...

Rene Laloux

2009-08-29T17:55:00.000-07:00

Dentro del séptimo arte al parecer, el trabajo cinematográfico de Rene Laloux no ha sido lo bastante reconocido. En lo particular hace un tiempo atrás tuve el agrado de ver un cortometraje de Laloux, Les Temps Morts, y quedé fascinada. Por este motivo comencé a buscar más peliculas de este director e indagar un poco más con respecto su vida. Laloux nace en París, en su juventud decide estudiar pintura por lo cual ingresa a una escuela de arte. Esta elección se hará patente en sus trabajos. Laloux trabaja desde la animación, crea mundos extraterrestres, extraños, extravangantes y con personajes particulares construyendo así universos paralelos fascinantes.

Les dejo algunos videos con cortometrajes de Rene Laloux... juzguen ustedes.

Rene Laloux - "Les Escargots"

Fantastic Planet (1973)

Les Temps Morts - René Laloux (1964)

La antigüedad y el culto dionisiaco

2009-08-19T19:01:00.000-07:00

Con las primeras guerras de la época antigüa aparecen los primeros esclavos y se dividen las clases sociales entre hombres libres y no libres. George Bataille en su libro Las lágrimas de Eros nos dice que a pesar de que el erotismo fue anterior a esta división de los hombres, el placer erótico de todas formas dependía del estatus social y de la posesión de riquezas. En este lugar del libro Bataille hace una distinción entre las condiciones primitivas y las condiciones derivadas de una sociedad de guerra. En la primera el hombre primitivo se enlaza con la fuerza física y la inteligencia y la mujer, por su parte, con la belleza y la juventud. En la época de guerra se mantiene la belleza y la juventud, pero aumenta la importancia de los privilegios. Como consecuencia de los privilegios, la prostitución fue un cause normal del erotismo. En tanto, el matrimonio se relegó a la parte que concierne a la procreación necesaria, los varones, provistos de mayor libertad, tendieron a alejarse del hogar buscando en las prostitutas la satisfacción de sus deseos eróticos.

Bataille dice además que las clases inferiores fueron las que desempeñaron un papel fundamental en el desarrollo del erotismo, pero en el ámbito religioso. Es decir, que el erotismo de la Antigüedad fue un erotismo religioso. Este culto erótico era ofrecido al dios Dionisios, el dios de la fiesta y la trasgresión religiosa. Los ritos dionisíacos fueron esencialmente de libertinaje. Este culto fue trágico, erótico y promiscuo, llegando incluso al horror trágico. Paradójicamente hoy en día la religión excluye el erotismo, desconociendo que en sus inicios estaba estrechamente ligada a él. Por esto mismo, el erotismo al perder su carácter sagrado se volvió inmundo.

En la prehistoria sexo y religión estaban unidos, ambos elementos formaban parte de un mismo universo, se entrelazaban, confluían, se celebraban juntos. Los actos ceremoniosos estaban ligados con el placer sexual, mientras que éstos mismos tenían significaciones sagradas. Esto se rompe totalmente con la llegada de los preceptos cristianos. Pero antes de llegar a ello, debemos hacer hincapié en la Antigüedad, aún si pensamos en la sociedad griega, como una sociedad adelantada y moderna para la época, ellos concebían la sexualidad igual que las sociedad primitivas, como un sistema reproductivo, aunque también tenían presente los placeres que provocaba el acto sexual. La sociedad griega tuvo altas connotaciones sexuales. Entendida como la sociedad de la falocracia, la presencia del falo se relaciona en una primera instancia con la fecundidad masculina, y esto fue extrapolado a todos los ámbitos de la vida cotidiana, utilizando la imagen del falo, como un elemento que significa fecundidad en general[1]. Además el falo en esta época tuvo una función protectora y apotro paica. Son conocidas las historias de deidades fálicas que habitan en el campo, alejados de la polis. Estas deidades se caracterizan por tener una insaciable libido y un miembro sexual desbordante. Aquí vemos como se relaciona también la grandiosidad del falo y su estrecha relación con la religiosidad al considerar a una deidad por las desproporcionadas dimensiones de su sexo.

Para la sociedad griega era fundamental la preparación de los hombres en la Paídeia No tan sólo se preocupaban por su preparación cívica, también era fundamental su preparación sexual. Este acondicionamiento previo llevaba a los jóvenes griegos a prácticas homosexuales, en su afán de un conocimiento preliminar. Aunque las mujeres no podían participar de estas actividades, también realizaban rituales relacionados con el sexo, como las fiestas contraculturales que realizaban en honor a Adonis, como hombre que satisface a las mujeres sin alardes de machismo y que resulta muerto por la agresividad masculina[2]. Las mismas connotaciones tenían las fiestas de Tesmoforias. En la antigua Griega las relaciones sexuales formaban pate, en un comienzo, de los rituales de la reproducción sexual. Luego, como en la prehistoria, este primer ritual reproductivo fue tomando connotaciones eróticas y ya no se trataba de rituales reproductivos, sino que de rituales orgiásticos, donde más que la vida se celebraba el placer, y lo placentero que resultaba el acto sexual.

Nos encontramos nuevamente con la relación, al parecer, inalienable, del placer sexual con la religiosidad, o la divinidad. Tal vez sean inseparables, y las consideraciones posteriores que hace el cristianismo con respecto a la sexualidad, están erradas, considerando que las primeras grandes civilizaciones le otorgaron a la visa y placer sexual un lugar alto dentro de sus prioridades, tomándolo como un acto significativo y sagrado, como lo hemos visto hasta aquí. Pero contrariamente a lo que podríamos pensar, en la religión cristiana también nos encontraremos con notorias manifestaciones del placer, que paradójicamente tratan de inhibir, pero evidentemente salen a flote.

[1] La imagen del sexo en la Antigüedad. TuesQuets editores, España, 2007, p. 211.

[2] Ibíd, p. 193.

Hans Bellmer

2009-08-13T20:41:00.000-07:00

Hace poco me encontré gratamente con este artista, fotografo de lo ominoso, Hans Bellmer. Me atrajo inmediatamente, así como lo hizo alguna vez Joel-Peter Witkin. De tendencia similar, Bellmer trata el tema de lo siniestro, del cuerpo como artificial que insita a la fantasía sexual y al erotismo. Les dejo alguno de sus trabajos para que se maravillen tal como yo lo hice...

Intervalos

2009-08-10T16:25:00.000-07:00

Pudo ser absoluta, sútil, amante y amada.
Pudo ser inmensa y pequeña, introspectivamente escandalosa.
Pudo ser impactante, cabizbaja, rápida, violeta.
Pudo ser altanera, envidiosa, posesiva y sensible.
Pudo ser admirable, delgada y de cabellos color marrón.
Pudo ser tantas, distintas, multiforme, multifacética,
multicolores...

I'm Not There

2009-07-30T21:31:00.000-07:00

Al enfrentarse con al documental I’m not There surgen varias expectativas como espectador. Al tener conocimiento de que se trata de una biografía del cantante Bob Dylan, nos sumergimos en una pre-concepción del típico film biográfico, cuestión que por cierto no sucede en esta película. Es quizás confuso para el espectador encontrarse con, no una, sino varias historias que en primera instancia, unas de la otras. En un primer acercamiento creí que todas las historias eran la vida del artista, que se habían filmado como cortometrajes y que habían sido entrelazadas aleatoriamente, sin embargo creo que es más que una nomenclatura de sucesos sobre una misma vida. Me arriesgo a postular que se trata de una especie de “encarnación” del artista, más adelante explicaré porqué.

La forma en que se construye la historia depende de dos factores, una de la manera en que se nos relata y otra de la forma en que la percibimos. En este caso, la multiplicidad de narraciones que se dan dentro de la película hace que nosotros, como espectadores, tengamos la necesidad tal vez, de tomar una postura frente a ella. La postura que tomé con la pretensión de lograr un acercamiento con respecto al film es atender lo que subyace a la historia misma, lo que se puede sacar en limpio, no intentar conectar una vida con otra y su relato particular, sino que el significante de cada una y de que manera confluyen en el tema principal, que a mi parecer, es la vida de Bob Dylan en su labor dentro de una sociedad y su contexto.

Nos enfrentamos primero que todo a una serie de historias que en primera instancia parecen inconexas. Cada historia toma distintos personajes, diferentes escenarios, cada uno tiene una historia en particular. Cada historia por lo demás, tiene un relato distinto. La construcción de cada una no sigue la unicidad que se espera de las biografías. Unas historias se presentan en blanco y negro, otras en color. También muestran diversas formas con que se puede “contar” algo: en primera persona, desde personas externas, con un narrador. Con todo esto me refiero a que cada una de ellas se conforma de manera particular, el escenario, los personajes, el problema que desarrollan esta dentro de su propia membrana. A pesar de todo lo anterior, creo que dentro de las múltiples historias hay una “ventana” que nos remite a las otras. En el transcurso de la película, hay pequeños elementos que nos hacen sinapsis y surgen como un chispazo con respecto al caos de imágenes que se interceptan en la pantalla. La música o banda sonora, por ejemplo, es un elemento lineal que va fundiendo los últimos segundos de una imagen con el comienzo de la otra. Y la música interna, aquella que se instala dentro de la historia, así como un sentimiento o necesidad. El arte en general también es un factor que se mezcla constantemente y la manera en que cada persona necesita llevarlo o mostrarlo, de que forma el artista se sirve de él (o se escapa del mismo). De vez en vez aparecían imágenes muy fugaces e inconexas con respecto a lo que estaba pasando en la historia, que remitían a la historia social americana. Si bien es cierto ninguna historia toma literalmente en nombre del cantante hay historias en que por la apariencia del personaje principal y los sucesos que van aconteciendo puede escabullirse su nombre entre nuestros labios.

Con respecto a la encarnación que remitía al comienzo se refiere a la manera en que resolví la historia completa. Encarnación con respecto al “todo” de la película. Creo que cada historia confluía en algo en particular y por lo mismo están inscritas en el film. No fue un trabajo azaroso que pretendía volcar al espectador a la confusión total. Desde mi perspectiva cada historia que acontecía tenía su excusa dentro de la historia global porque las personas que ahí aparecían, como protagonistas de estas “mini historias”, encarnaban la visión del artista, encarnaban la visión de Bob Dylan en tanto sea entendida como contar la historia ordinaria, común de personas americanas. Sin embargo, al ser una película polisémica esto puede ser una observación vaga con respecto a bastos y variados acercamientos de la película.

Cada escena da sentido a la película no de una forma lineal y convencional. Le da una mirada distinta a la forma de hacer biografía, no toma un conjunto de datos y los coloca cronológicamente una tras otra para conjugarlos en el personaje principal. A mi parecer, en este relato, toma los datos primordiales para inmiscuirlos en diferentes instancias donde emergen los distintos Bob Dylans, esos que se encuentran anónimos y que también participan de la forma particular en que él concebía el mundo.

Algo de poesía...

2009-07-27T09:11:00.000-07:00

Confesión

Esperando la muerte
Como un gato
Que va saltar sobre
La Cama

Me da tanta pena
Mi Mujer

Ella verá este
Cuerpo
Blanco
Rígido
Lo zandadeará una vez y luego
Quizás
Otra:

<<¡Hank!>>

Hank no
Responderá

No es mi muerte lo que
Me preocupa, es mi mujer
Que se quedará con este
Montón de
Nada.

Quiero que
Sepa
Sin embargo
Que todas las noches
Que he dormido a su lado

Incluso las discusiones
Más inútiles
Siempre fueron
Algo espléndido

Y esas difíciles
Palabras
Que siempre temí
Decir
Pueden decirse
Ahora:

Te amo.

Sobre el documental: Born into this...

2009-07-24T12:57:00.000-07:00

“existen cosas peores que estar solo

pero a menudo lleva décadas darse cuenta

y la mayoría de las veces,

cuando lo haces

es demasiado tarde, y no hay nada más terrible

que demasiado tarde”.

Charles Bukowski, “Ah si”.

Bukowski fue un hombre peculiar, un literato controversial, directo y sumamente crudo en sus relatos. La manera en que escribe se sustenta en sus propias experiencias, historias de su vida que mutaban someramente antes de llegar al papel. La violencia durante su infancia, una seguidilla de trabajos mediocres y un futuro poco prometedor dentro del campo literario fueron los antecedentes que marcan la vida de este reconocido autor. Bukowski nunca creyó que su pasión por las letras lo pudiera sustentar, sin embargo se sorprendió finalmente siendo unos de los más irreverentes autores de su época.

“Born into this”, el título de este documental acerca de la vida de Bukowski proviene de uno de sus poemas, siendo importante mencionarlo, pues siento que en este poema se retrata de forma ejemplar la manera en que concibe la vida y el mundo este literato. Dentro de todo el repertorio poético que Bukowski posee, han escogido este poema que probablemente incita a pensar una íntima relación con la forma y el enfoque del documental.

La construcción de esta registro biográfico puede ser distinguida en tres partes: una de las formas en que se documenta es a través de filmaciones que el director hizo, con el afán de que amigos, familia y personajes famosos que gustan de Bukowski den su perspectiva fundamentando, aseverando y reconstruyendo episodios importantes de la vida de este hombre; otra manera es por medio de la recapitulación de archivos en que Bukowski aparece recitando o en entrevistas de tal forma que estos archivos argumenten la dirección del documental y una manera menos evidente, pero a mi juicio igualmente válida, es el recitar poesía, ya que como lo decía al comienzo, sus escritos son muy decidores de su propia vida. Son una ventana abierta a la intimidad de Bukowski.

Beber, escribir y follar fueron sin duda la triada que constittuyó gran parte de su forma de vivir. Esta triada es un punto importante para una re-construcción biográfica, como el registro que concede el director John Dullaghan en Born into this. Acá no se trata del personaje Charles Bukowski, de alguien ficticio que no responde a ningún referente real, es él mismo, Charles Bukowski el alemán que tuvo una vida llena de huellas, marcas que incluso pueden verse reflejadas en las muchas marcas de su rostro producto del acné. “Beber, escribir y follar” parecen ser los tres puntos en los cuales se erige el documental. El primer punto, beber, es evidente, pues para nadie es ajena la adicción de Bukowski por el alcohol, la primera imagen que tenemos dentro del documental es a Charles pidiendo más alcohol, este punto nos introduce inmediatamente a lo que fuera su vida. Por otro lado tenemos escribir, que aunque el mismo repudiaba verse como un escritor, la literatura cruda fue una manera de expresar y botar todo aquello que sentía. Y por último follar, esencial también, tomando en cuenta todas las mujeres de las cuales a escrito y tantas otras que nunca mencionó. Las mujeres desde su madre hasta su última esposa Linda son personajes que acompañan toda la vida del autor. Su denominación como una “máquina sexual” y la importancia que le da él mismo a este tópico hace que este tema también sea directriz en el documental.

La ausencia de una voz omnisciente da para pensar en un documental que habla por sí mismo, que no necesita la dirección de una voz dictatorial para construir el relato. El relato va tomando forma solo, son las mismas imágenes y el mismo Bukowski quién va organizando el registro. Tan sólo por medio del orden de las imágenes se construye la dirección del documental. Born into this es un injerto de imágenes que se disponen con tal coherencia que va desde un Bukowski que se autodenomina como “fuerte” hasta ya sus finales, cuando al relatar unos de sus poemas comienza a sollozar, donde ya su fortaleza se fue disolviendo y las copas de vino y cerveza van pasando la cuenta a su cuerpo. El documental muestra como Bukowski se va desvaneciendo, así como su fuerza, como los excesos y la vida lo fueron socavando lentamente. Una de las últimas imágenes lo dicen todo, cuando Linda, su mujer, esta sobre su tumba, relatando los últimos momentos de su esposo. De esta forma el documental adquiere una forma lineal, aunque parece no serlo, y realiza unos saltos en el tiempo imprevistos, pero termina con la muerte, cuando ya Bukowski no tiene ninguna copa de vino que gritar ni ningún otro poema que recitar por su propia boca.

* * *

De lo imperceptible...

2009-07-20T21:04:00.000-07:00

Una oda a todas aquellas situaciones mínimas, movimientos cotidianos que no vemos - y sí, te cito a tí y a tu cuento. Detengámosnos un momento a mirar, y nos daremos cuenta que estamos rodeados de situaciones jocosas y únicas, de momentos extraños e irrepetibles. Estas fotografías son eso, un momento fijado en mi cámara, y al fijarlo se eterniza, se recontextualiza, extrapola, comparte. Son fotografías de cosas pequeñisimas, que carecen para muchos de importancia, pero cobran un sentido diferente cuando son atendidas por el lente de una camara. Es una oda a lo cotidiano...

Grupo Montparnasse y Jean Emar.

2009-07-18T17:40:00.000-07:00

La década del 20 estuvo marcada por la consolidación de la clase obrera, creación del partido comunista, consolidación económica en el país y la aparición de una clase media ilustrada. Dentro del ámbito artístico hay una ruptura con la academia y el gusto afrancesado. Durante este periodo hubo un interés por introducir las vanguardias y el modernismo artístico. En Brasil se inaugura la semana del arte moderno (1922), buscando escandalizar a la burguesía afrancesada. Las artes nacionales estuvieron marcadas por la llegada de Álvarez de Sotomayor, en 1908 contratado como director de la Academia. Cambia la influencia de la pintura francesa por la española con el modelo de Goya y Velázquez que trae este nuevo director. Este artista enfatiza el trabajo de la escena costumbrista y tipos populares. De su tutoría surge la Generación del 13, la Generación del centenario, Este grupo se caracteriza por un tono nostálgico, hasta melancólico en sus trabajos. La mayoría de los artistas pertenecientes a esta generación son de clases sociales más bajas, comparten los talleres y toman como modelo a representar su propio entorno. Aún acá, donde los elementos formales son notoriamente más libres que en los comienzos de la academia, el tema subyuga a la razón plástica.

La liberación de las artes plásticas en Chile fue paulatina, hasta la llegada radical del Grupo Montparnasse. El panorama internacional en las artes distaba mucho del tipo de artes que aún eran valoradas en Chile. En nuestro país, en el salón oficial, aún eran premiadas obras que tenían facturas tradicionales, y las nuevas tendencias pictóricas no habían sido bien recibidas todavía. La llegada de Montparnasse reactiva las artes plásticas. Este grupo busca la modernidad asociada a la idea de la construcción (composición, solidez de la pintura, importancia de la línea). Todas las problemáticas que giran en torno al trabajo de este grupo de artistas están vinculadas con la pintura misma, y no con temas fuera de ella. En su pintura se ven reflejadas tres corrientes: el constructivismo plástico cezaneanno, el neo-impresionismo y el fauvismo, sin ser ni impresionistas y fauves. Toman elementos para poder desarrollar sus obras de arte. Su maestro espiritual Juan Francisco González, fue el primer artista que dentro de las artes nacionales, se atreve a incursionar en las posibilidades plásticas de la pintura, autonomizándo su función.

El grupo Montparnasse se forma en París, en el año 1922, los artistas que participaron de él, en una primera instancia fueron: Luís Vargas Rosas, Henriette Petit, Julio y Manuel Ortiz de Zárate y José Perotti. Tomaron el nombre del barrio parisino que en aquellos años fue considerado un centro artístico. Un punto culminante dentro de la creación del grupo fue su viaje a Europa con motivo del Salón de Otoño, y conocen a Juan Gris, y las vanguardias de la época. Esto fue decisivo para, además de dar en cuenta el atraso con respecto al resto de las artes europeas, un interés por la renovación plástica y por la inclusión del modernismo artístico en Chile. Su primera exposición se realiza en el círculo de periodistas, en la sala “Rivas y Calvo” el año 1923. A pesar de ser un grupo, su trabajo plástico no es uniforme, y los que los une principalmente es la ruptura con la pintura tradicional, la autonomía y la ausencia mimética en sus obras. El grupo Montparnasse se opone a la enseñanza de la Escuela de Bellas Artes, no fueron exhibidos en el salón oficial y su financiamiento no viene del Estado, sino de particulares, como el diario La Nación. Por ello, son considerados como los precursores de un movimiento modernista en nuestro país, por su tarea renovadora y principalmente, por la idea de un arte por el arte, la independencia del gesto del artista y la valoración de esta. Así como Rubén Darío habla de la poesía como un espíritu nuevo, esa constante modernista se extrapola a las artes visuales como vemos en este grupo. Además, como en la literatura, el Grupo Montparnasse demuestra una exigencia de su época, una exigencia por una puesta al día, y por una autonomía del arte.

Al grupo Montparnasse se le une el pintor y crítico Jean Emar. Rescato la imagen de Emar, pues surge a su vez, como un renovador de la crítica chilena. Jean Emar viene de la alta burguesía, pasa gran parte de su vida en Francia, fue amigo de personajes importantes en el ámbito artístico parisino. Conoció las vanguardias y sintió empatía con el Surrealismo[1]. Jean Emar critica varias cosas de la escena artística nacional: la inamovilidad de la Escuela de Bellas Artes, ataca el sistema de medallas y premiaciones del Salón Oficial y critica la crítica aficionada. Desde Notas de arte, sección que publica en La Nación desde 1923 hasta 1925, reformula todo el sistema del arte nacional. Dice que los artistas nacionales deberían relacionarse con artistas extranjeros, más que con profesores, deberían ver los cuadros. Desde sus Notas de arte, además inicia un trabajo de divulgación de las vanguardias pictóricas europeas, que sirven también para una puesta al día del arte internacional. Con un lenguaje irónico e incisivo, Emar se dedica además de comentar las nuevas tendencias internacionales, a criticar duramente el entumecimiento de la escena artística nacional.

Jean Emar fue importante dentro del trabajo teórico para Montparnasse, y esquematiza los fundamentos estéticos del grupo[2], así este grupo es uno de los primeros que tiene algo así como un ”manifiesto” donde se rectifica este interés por la modernidad, por el modernismo artístico y por la renovación de la tradición pictórica nacional. El artista ya no es un productor de indistinto de arte, se preocupa por difundir sus ideas.

[1] Álvarez de Araya, Guadalupe. La recepción de las vanguardias en Chile a través del grupo Montparnasse. 1923-1935 (aporte a una historia de la crítica de la pintura en Chile). Tesis de grado para optar al título de Magíster en Teoría e Historia del Arte por la Universidad de Chile. Santiago, 1995. p. 71.

[2] Anti academicismo, anti naturalismo, anti realismo, ausencia de un estricto estilo plástico, arte vigoroso. Libertad y espíritu lírico para crear, Leyes propias de espacio y tiempo en el arte, y no repetir ni copiar a los maestros.

Ortiz de Zárate, Manuel- Naturaleza muerta con guitarra

Ortiz de Zárate, Manuel- Naturaleza muerta con guitarra

Mori, Camilo-la viajera

Petit, Henriette- Dos desnudos

Las artes en Chile y la Academia de Bellas Artes

2009-07-14T18:12:00.000-07:00

La Academia de Artes es un sistema de enseñanza, creación y difusión artística. En Chile fue asociada a la monarquía francesa, toma por lo tanto, el modelo francés transplantado en América Latina. Las primeras Academias surgen en Italia (Cosme de Medicci y la Academia de Dibujo). Esta invención italiana se expandió al resto de Europa, en Francia surge como una necesidad de beneficio ante los gremios de maestros pintores y su objetivo final fue resaltar la imagen del Rey Luís XIV. En las primeras academias de Europa implantaron una jerarquización de los géneros, el más importante fue el retrato y la pintura histórica, luego las escenas mitológicas, las escenas bíblicas, la antigüedad clásica, el paisaje, la miniatura, bodegones y naturaleza muerta fueron considerados un arte menor. El arte académico en sus comienzos estuvo asociado a los principios clásicos de orden, claridad y mesura. La función de la pintura a través de la Academia fue representar la realidad en una superficie plana, mimética. Al pintor se le exigía gran rigurosidad en su trabajo plástico. La revolución francesa llega a abolir las instituciones monárquicas.

En Chile la institucionalidad se funda en el modelo francés derivado de la Revolución Francesa. En la época post independentista, como sabemos, fue imperante la construcción de una idea de “Nación”, libre de las imposiciones españolas en nuestro caso como país, donde se desarrollara Chile como un territorio autónomo, capaz de valerse por sus propios principios e ideales. Por ello fue la educación de los habitantes fue uno de los puntos fundamentales en los nuevos regimenes políticos, pues los hombres y mujeres que nacieran de este nuevo sistema educativo, serían el reflejo de esta nueva nación libre. Con este fin de educar a mayor cantidad al país, se crearon reformas que apuntaban a una enseñanza completa de quienes futuramente lo guiarían. No obstante, este régimen educativo no contemplaba las artes en un comienzo. Por ello, fue importante el día 4 de Enero de 1849, al decretarse la creación de una Academia de Bellas Artes. Como director de la nueva Academia fue traído el italiano Alejandro Cicarelli (1811-1879), quién viaja desde Brasil donde trabajaba como retratista. Antonio Romera considera que este artista fue inflexible ante su ideal estético, sin permitir que los alumnos siguieran un camino señalado por su propia sensibilidad[1], además lo consideraba como un artista con aspiraciones anacrónicas en cuanto a su trabajo pictórico y estaba más interesado en mostrar sus propias creaciones que en educar a los alumnos de la Academia. Romera considera también que no fue un gran compositor ni colorista. Sus fundamentos plásticos estaban centrados en los ideales clásicos. Sus ideas estéticas se ven claramente reflejadas en el discurso[2] que pronunció para la inauguración de La Academia de Bellas Artes. El artista comienza su discurso refiriéndose a como en todo orden de cosas, el arte también tiene un inicio, un desarrollo y una decadencia. Así Cicarelli va relatando de forma sucinta la Historia del Arte según su perspectiva. Pero se detiene con esmero en el arte clásico. Resalta lo impecable de la proporción y belleza de los maestros clásicos. Cicarelli cree que el arte, debe ser regido por estos cánones, por lo tanto debemos inferir, que el tipo de arte que será imperante en el primer periodo de la Academia, estará bajo estas ideas estéticas. Cicarelli además, se interesa por el dibujo preciso, la paleta cromática contenida y no pasional y, por un claro interés por lo mimético. Uno de los puntos más interesantes en el trabajo de Cicarelli, y en lo que luego llevará a la práctica en las aulas de la Academia de Bellas Artes, es la función del arte. El italiano piensa el arte como funcional, el artista, al igual que el héroe patrio, debe hacer lo suyo por su país. El artista debe ensalzar las hazañas del héroe, así las artes plásticas están subyugadas a una labor específica y no tiene una autonomía total ante los temas que pinta y la forma de resolverlas pinturas. La Academia de Bellas Artes dio la posibilidad de una status social distinto al artista, ya que la labor artística fue tan importante como la del mártir patrio.

Los objetivos planteados por La Academia, en el decreto de fundación, están contemplados los cursos de dibujo, anatomía humana, mitología y atributos de divinidades. Pues como Cicarelli menciona en su discurso, los nuevos artistas deben conocer las pautas plásticas y los cánones de los clásicos, para representar perfectamente las glorias patrias. Esta enunciación nos da en cuenta una serie de cuestiones, una de ellas es el tipo de educación artísticas que tendrán los artistas chilenos como profesionales, en los comienzos de La Academia; la función del artista en la sociedad; que el arte que se esta produciendo en esta época, es un arte académico, neoclásico, dependiente de un tema mayor que es la representación histórica.

El artista que siguió en la dirección de La Academia de Bellas Artes en nuestro país, fue Ernesto Kirchbach (1832-1880), al parecer, no tuvo mayor influencia ni cambio en la estética académica. Siendo alemán, se regía también por una formación académica de su país, Romera habla de él como un artista que se regía por un fuerte subjetivismo de raíz medieval, además de ser frío en su trabajo plástico, pues no admitía cromatismo cálido[3]. Le sigue el florentino Juan Mochi (1831-1892), caracterizado pro Romera como pobre en coloridos, falta de sensibilidad y se queda en un naturalismo acromado y seco, dibujo correcto atado a las apariencias inmediatas. A pesar de las apreciaciones negativas que podemos ver en la crítica de Romera, hacia el trabajo plástico de Mochi, como director de la Academia entre los años 1876-1892, se preocupó, a diferencia de Cicarelli, de promover el trabajo de los alumnos. Comienza a liberarlos de las fórmulas estéticas. Incita el cambio de tema, desde un tema histórico, mitológico, Mochi invita a sus discípulos a observar el paisaje. Por lo tanto, este tercer director, marca de alguna forma la primera liberación plástica. Recordemos que Juan Mochi fue maestro de Juan Francisco González, personalidad importante dentro de la escena nacional, que se destacará por sus paisajes y por su trabajo con la materia pictórica.

Cosme San Martín (1850-1905) fue el primer director chileno de la Academia. Como podemos observar en sus obras de arte, se dedicó cuidadosamente a un trabajo mimético exacto. Su trabajo con las materialidades, con la transferencia de los ropajes, la luz, la piel. Lleno de detalles, sus cuadros no muestran interés por una autonomía plástica, más bien es el reflejo de un trabajo que desea mostrar algo más que una simple pintura. Trata de representar un momento, valiéndose de la pintura para hacerlo. Nuevamente vemos relegado el tema de la autonomía plástica, y el academicismo sigue ganando terreno. La llegada de Pedro Lira (1845-1912) a la Academia no cambia el panorama artístico. Es indiscutible su labor como docente y su gran aporte al arte nacional, pero con Lira aún estamos en presentación de un arte que se subyuga como una tarea complementaria. Pedro Lira fue considerado un gestor cultural de la época, por ello lo consideramos importante. Sin embargo, en tanto a su tarea plástica, no podríamos considerarlo como innovador. Discípulo de Cicarelli vemos en el trabajo de Lira una mayor precisión en el dibujo, un dominio de la paleta cromática y una transferencia de la materialidad admirables, sin embargo sigue pintando de la manera tradicional, hecho que no ayuda a un desarrollo del quehacer plástico, ni fomenta a una reflexión de la labor del artista como tal.

La llegada de Virginio Arias a la dirección de la Escuela de Bellas Artes (ya no Academia) marca un quiebre. Arias fue escultor, a diferencia del resto de los directores que fueron pintores. Su llegada a la Escuela, en 1900, coincide con el cambio de siglo, y además con el cambio de la elite social, como sabemos, la ascensión de la clase media. Virginio Arias además proviene de la clase media. Fue discípulo de Nicanor Plaza. Uno de los trabajos escultóricos más importantes y reconocidos de Arias es “La Araucana”, esto connota un interés por lo propio, por sus raíces y un importante cambio en el foco de interés que antes se desarrollaba dentro de las escenas históricas, míticas, alegorías, etc. Virginio Arias trajo consigo varios cambios dentro de la Escuela de Bellas Artes. Entre algunos de los cambios de Arias encontramos la separación de los talleres en sección de hombres y de mujeres., la anexión de las Escuela de Bellas Artes al Museo de bellas Artes, el taller de escultura práctica y la división de las artes que enseñaban en la Escuela entre “arte puro” y “arte aplicado”. Con el interés de Arias por las artes industriales, y no tan sólo por un arte utópica, con funciones románticas, se marca lo que serían las bases de un arte moderno. En esta época, la Historia del arte da un giro, pues los artistas van entendiendo su hacer dentro de un campo propio. Acercándose a una autonomía y razón plástica.

De los artistas nacionales, podemos rescatara ciertamente a los cuatro maestros que clasifica Antonio Romera, y que con el tiempo se ha refirmado este enunciado entre el círculo del arte del nuestro país. Pero más allá de nombrar y desarrollar la vida y obra de Pedro Lira, Valenzuela Puelma, Valenzuela Llanos, me interesa hacer un énfasis en la labor artística de Juan Francisco González, pues considero que marca un tipo de pintura independiente de La Academia. Juan Francisco González no tuvo grandes preocupaciones teóricas, en 1888 viaja a París, viaje que marcará ciertamente su trabajo pictórico. Su trabajo plástico posibilitó la renovación artística del país. Cree en un arte espiritual más que teórico. González capta las sensaciones coloristas, y su factura de paisajes esta emparentada con los impresionistas, sin serlo de forma tal. Trabaja a plein air, donde puede captar de forma inmediata las impresiones recibidas en al retina, llevándolas a la tela. Juan Francisco González tiene una preocupación plástica y matérica. No hay un tema definido, pues ya no le interesa retratar el paisaje nacional, los paisajes son anónimos, les resta interés pues su importancia se fija en la pintura. Es decir, que González toma el paisaje como un modelo donde puede ejercitar su trabajo plástico y no como un modelo a copiar miméticamente, donde ensalce la cordillera o el mar chileno. Trabaja en pequeños formatos de cartón, tipo apunte. Su trazo es característico, grueso y evidencia la pincelada. Crea una pintura plana, bidimensional, alejándose de la atmósfera y la perspectiva. Todos estos puntos mencionados anteriormente, dan en cuenta la incorporación de las enseñanzas de la vida moderna al arte nacional. Dan un primer paso a un arte por el arte.

[1] Véase Historia de la pintura chilena por Antonio Romera, apartado que se refiere a la apertura de la Academia.

[2] Discurso de apertura de la Academia de Bellas Artes, Santiago, 1849.

[3] Romera, Antonio A. Historia de la pintura chilena. Editorial Pacífico, Santiago, 1951.

Algo de cine...

2009-07-11T20:43:00.000-07:00

Uno de los cineastas que recomiendo es Jan Svankmajer, sobretodo sus cortometrajes que son pequeñas obras de arte; irónicas, encantadoras y perversas. Svankmajer trabaja con virtuosismo el stop motion, inspirando a otros cineastas como los Hermanos Quay, los cuales también trabajan de forma prolija este tipo de animación.

No pude subir los videos, pero les dejo los enlaces. Estos son cortometrajes que no ceso de observar y admirar, y me brinda horas de entretención y risas.

Enjoy it.

Meat Love:

Dimensions of dialogue, part 2:

Food:

Monjas coronadas

2009-07-06T15:55:00.000-07:00

En mi búsqueda de retratos coloniales, me encontré con un tipo de retrato que me interesó particularmente. Se trata del retrato de monjas coronadas. Estos retratos son imágenes de jóvenes que entrarían al convento, de ellas se guardaba un retrato conmemorativo. Esto ocurría el día en que vestían por primera vez su hábito, para que la familia las recordase[1]. En la época colonial el destino de las mujeres tenía dos direcciones irremediables: una de ellas era el matrimonio y otra el convento. Dentro de estas dos opciones, la mayoría de las mujeres se casaban y se dedicaban a criar a sus hijos, sólo un pequeño grupo optaba por la vida en el convento. Sin embargo, la vida conventual no abierta a toda mujer que quisiera. Esta vida sólo fue posible a un número muy limitado.

Las primeras monjas en América se dedicaron a la enseñanza y a servir de modelo de vida virtuosa a las mujeres indígenas[2]. Por su parte, a las mujeres indígenas se les negó entrar a una orden religiosa a causa de su falta de preparación espiritual. Esta política estuvo vigente hasta los siglos XVI-XVII. Desde la fundación del convento de Nuestra Señora de la Concepción en México, entre los años 1540-1550, los conventos tuvieron una prolifera expansión, esto, a causa del rango que confería un convento en una ciudad, rango urbano y religioso. En el siglo XVII, existió una rápida expansión de las instituciones conventuales como las órdenes carmelitanas, franciscanas, agustinas y domínica, todas de procedencia española que se expandieron en nuestra América. En 1742, se funda en México un convento que estuvo destinado para las mujeres indígenas pertenecientes a la nobleza.

Las ciudades y la Corona consideraban los conventos como:

“centros de edificación moral y religiosa, y a las mujeres que profesaban, como seres piadosos desinteresados, dedicados a la más elevada forma”[3]

El mundo religioso y en especial las religiosas, eran objeto de admiración, reverencia y alabanza. Además, por su parte, las mujeres enclaustradas tenían como regalías, no sólo la protección y satisfacción religiosa, sino que también educación. Los conventos de igual forma, no fueron solamente centros de espiritualidad, estaban vinculados social y económicamente con la elite colonial, de la cual procedían muchas religiosas, y que se apoyaban del punto de vista moral y económico[4].

En los retratos que revisé sobre estas monjas coronadas, me encontré con varias tipificaciones. Por ejemplo todas tienen en dentro del cuadro un apartado donde aparece su nuevo nombre como religiosa, su procedencia, el nombre de sus padres y la fecha exacta en que toma los hábitos. La representación de las monjas, se da en dos formatos: de cuerpo completo donde, obviamente, ella es la figura central, además de estar acompañada por una basta indumentaria que tiene concordancia con su hábito, con su nuevo nombre y su nueva vida. El otro formato es busto, como se dio en los primeros grabados españoles, que se extrapolaron en los grabados de libros en América, en este tipo de formato las nuevas religiosas tienen igual numero de ornamentación en sus vestimentas e indumentaria, y causa un efecto visual de pomposidad y exacerbamiento de sus santos votos. Los colores que se utilizan para la representación de monjas, siempre son más bien sobrios, oscuros, contraponiéndose con las imágenes tan iluminadas de la Virgen. Son recurrentes los elementos como el candelero, la imagen del niño Jesús y por sobretodo las flores, como un signo de pureza. El retrato de las monjas es frontal, pero en ocasiones no miran hacia el espectador. Hay una distinción entre los retratos de mujeres indígenas y mestizas. Su color de piel las diferencia, además de sus ornamentos. Un elemento que me llamo la atención fue la caracterización entre las mujeres, la individualización de sus rostros, a pesar de que sus vestimentas fueran de corte similar, sus rostros denotan un trabajo en captar la esencia y el temperamento, para así distinguir a cada una.

[1] Rostros mestizos en el retrato Iberoamericano: http://www.seacex.com/documentos/america_mestiza_13_rostros.pdf.

[2] Leslie Bethell, ed. Historia de América Latina, Editorial Crítica, Barcelona, 1990, p. 126

[3]Ibíd., p. 127.

[4]Ibíd., p. 128.

Sor María Antonia de la Purísima concepción

Sor María Bárbara del Señor San José

Sor María Engracia Josefina del Santo Rosario

Tristania - Cure

2009-06-28T19:30:00.000-07:00

En tu telaraña
los hilos se enredan
tu presa esta muerta
teñida con silencio
me quedaré contigo para siempre
me arrodillaré a tus pies
a tu voluntad
completamente silenciosa

Cuando me muevo
voy movida por ti
Cuendo riges
todo rige por ti
En tu mundo sólo riges tú
en mi mundo, sólo existes tú

En tu telaraña
los hilos se enredan
a tu voluntad
completamente silenciosa...

Tus palabras son escalofríos
que recorreren mi espalda
estoy paralizada , sin forma
en tu telaraña,
en tu telaraña,
mi sangre fluye lenta y roja como vino.
El pasado esta destrozado
por siempre.
Yo sirvo tu voluntad,
porque he sido magullada y golpeada,
y cubierta
porque he sido ordenada
como tu amante...

Fascinante letra de Tristania del disco Ashes...